RAÚL SHAW MORENO con la orquesta de ROBERTO INGLÈS. DUDA.wmv

Raúl Shaw Moreno - Muñequita con conjunto de gilberto rojas..de bolivia

CUARTETO FLORES

El Cuarteto Flores o Cuarteto de Pedro Flores fue un conjunto musical de música tropical fundado por Pedro Flores en Nueva York, en los años treinta. Historia El grupo surgió de la necesidad del compositor puertorriqueño Pedro Flores de fundar una agrupación que pudiera competir con el Trío Borinquen de Rafael Hernández. El Cuarteto Flores estuvo compuesto, en su primera formación por el propio Flores junto a Pedro Marcano, Ramón Quirós, Davilita, Yayito y Pellín.También formaron parte del grupo artistas como Panchito Riset y Johnny Rodríguez. El grupo realizó sus primeras grabaciones en el 1930. Aunque la agrupación cambió de formato a sexteto y más tarde se convirtió en toda una orquesta, mantuvo su nombre de Cuarteto Flores. Flores confrontó problemas con su casa editora y dejó el cuarteto para irse a México y más tarde a Cuba donde viviría por varios años. Lamentablemente, no mantuvo la popularidad de años anteriores. A su retorno a Nueva York, refundó su cuarteto siendo dirigido esta vez por Moncho Usera, con la voces de Doroteo Santiago y Chencho Moraza . En esta etapa, el grupo contó también con la participación de los cantantes puertorriqueños Daniel Santos y Myrta Silva.

NORO MORALES Y SU ORQUESTA - Boquita Azucarada

RAUL DEL MONTE

Raúl del Monte . Tuvo compañías de Teatro Bufo, antes de entrar en el Alhambra, y sabemos que estaba casado con la también artista de allí, Blanca Vázquez 147 (a veces escrita como Vásquez)

BLANCA BECERRA

Blanca Becerra . Desempeñó papeles de mulata y gallega. (Vueltas, Las Villas, 27 de abril de 1887-30 de octubre de 1985). Fue la más longeva (casi un siglo) de las artistas del Alhambra. Blanquita decía haber empezado a actuar en el vientre de su madre, que era artista en el circo "Estrella" de su padre, Antonio Becerra. Con voz de soprano, comienza cantando zarzuela y teatro bufo en el Irijoa (después Martí). Trabajó en México, Tampa, España y en 1912 ingresa en el Alhambra forzada por la situación familiar. "Alhambra era un teatro de hombres solos, yo tenía mis reservas, pero mi padre estaba muy enfermo y no tenía con qué sostener a ellos y a mis hijos ... Cerré los ojos y acepté. Mi sorpresa fue mayúscula. Después de las primeras actuaciones comprendí que contrariamente a todo lo que yo suponía, aquel era un teatro como otro cualquiera. No había nada allí que ofendiera la moral de ninguna mujer. Sencillamente se presentaban obras de doble sentido"... 141 Al año de actuar en el Alhambra fue a México, con la compañía de Arnaldo Sevilla y el maestro Gonzalo Roig como director musical. Por estos tiempos surgirá un romance con Roig, y juntos tendrían un imperecedero hijo musical: la canción Quiéreme mucho . 142 Regresa al Alhambra, donde se mantuvo por 23 años. Estuvo en los programas de Catuca y Don Jaime, interpretando personajes complementarios como la Rosario y la Restituta. Se mantuvo activa hasta mu y mayor, haciendo Teatro Musical Cubano, radio, cabaret, televisión. Nadie hizo el papel de la Dolores Santa Cruz, de la zarzuela Cecilia Valdés , como ella, papel que representó por última vez en el Teatro Sauto de Matanzas ¡a los 84 años! 143 Actuó hasta los últimos años de su vida, residiendo en Oriente, en la ciudad de Tunas, donde con su hijo Pepe abrió en 1973, La Casa de la Trova

MARCELINO AREAN

Marcelino Arean . Nada sabemos de él, salvo que hacía papeles de gallego. En éste y otros casos, suponemos la fecha de su entrada al elenco próxima a la fecha de sus primeras grabaciones

JORGE ANCKERMAN

Jorge Anckermann nació en La Habana el 22 de marzo de 1877, hijo de músico. Su padre Carlos, mallorquín, era violinista del Teatro Tacón y profesor del Conservatorio Hubert de Blanck. Rápidamente Jorge se hace pianista, compositor y director, y en 1894 escribe a los 17 años su primera partitura para una obra teatral, La gran rumba , estrenada en el Teatro Tacón. Viaja a México con la compañía de bufos de Raúl del Monte en dos ocasiones, y los hermanos Robreño (Gustavo y Francisco) lo contratan para que le ponga música a la revista Toros y gallos , que se estrena en el Teatro Lara en 1899. Parte de esa partitura es la guajira El arroyo que murmura , uno de los clásicos de la música cubana. Va creciendo su fama de compositor, y cuando el maestr o Mauri tiene un disgusto con la empresa del Alhambra en 1911, Anckermann lo sustituye de un día para otro. De ahí, hasta 1935, produjo la música para el estreno de una obra notable cada 3 ó 4 meses, cada uno por lo menos con 10 números musicales, pero todos los viernes se estrenaba un pequeño sainete o revista con aproximadamente cinco. A su muerte, según Robreño, su viuda Mariana Llorens donó más de 3,200 partituras del maestro Anckermann, parte de las cuales abarcan su labor en el Alhambra, al Seminario de Música Popular de Cuba. 136 La discografía de esta sección atestigua esa actividad creadora de Anckermann, que ha sido, sin lugar a dudas, el compositor más prolífico que ha dado Cuba. Sin embargo, su repertorio, salvo El arroyo que murmura, Flor de yumurí y algún otro contado número, no es frecuentado ni aun por los cultivadores de la música antigua. ¿A qué se debe esto? Quizás por no contar con cantantes capacitados en el Alhambra, Anckermann no escrib ió con el estilo y lucimiento necesarios para los cantantes del género lírico, que debían ser los cultivadores lógicos de su repertorio. 137 Pero su obra está ahí, incluyendo una variedad increíble de géneros musicales, pero con preferencia de lo cubano, en las 598 partituras que compuso para las correspondientes obras estrenadas en el Alhambra, desde rumbas, boleros, guarachas, danzones, claves, sones, canciones, guajiras, criollas, danzas, pregones, tangos congos, puntos cubanos, zapateos, habaneras, danzonetes, comparsas, congas, etc. Contó además en diversas ocasiones con la ayuda de otros destacados músicos, en la enorme tarea de instrumentar y montar coros y solistas para el monstruo insaciable que era la escena del Alhambra, como Jaime Prats, Sergio Pita, Horacio Monteagudo y Ricardo Reverón. Hombre amable y generoso, Anckerm ann ayudó también a los compositores de la trova, muchos de los cuales no conocían música, transcribiendo sus obras al pentagrama y llevando muchas de ellas a la escena del Alhambra. Así lo hizo entre otros con Alberto Villalón, Rosendo Ruiz, Manuel Corona, Graciano Gómez, Eusebio Delfín y Sindo Garay. No ha sido fácil la clasificación de esta sección que denominamos Teatro Musical Cubano. Podemos decir que no están todos los que son, ni son todos los que están. Lo primero, porque hay figuras que si bien desempeñaron un papel importante en la escena del Alhambra u otros teatros, no poseían facultades para cantar, o por otra razón, no hicieron grabaciones, y por tanto no aparecen; lo segundo, porque hay figuras que no nos consta que hayan pertenecido al Teatro Musical Cubano, pero que al cantar en dúo o en otras combinaciones con artistas que sí lo fueron, hemos creído pertinente incluirlos aquí. Así sucede por ejemplo con Claudio García, Manuel Arean, Eugenio Ojeda, Carbonero, Vilches. O Eliseo Grenet, que como director musical que fue del Teatro Cubano, aparece acompañando al piano a algunos artistas de este teatro, al cual nos referiremos aparte con su propia orquesta. Y de los trovadores, aparecen Floro y Cruz como acompañantes de Feliú, pero ya veremos el resto de su discografía en los trovadores, donde encontraremos frecuentemente también al guitarrista y compositor Alberto Villalón y al ejecutante de mandolina Reinoso. Como las numerosas combinaciones de dúos, tríos, etc. que integraron estos artistas hace muy difícil la clasificación de sus grabaciones, hemos adoptado el sistema de referencias cruzadas en la forma siguiente: En la columna de la izquierda aparecen los nombres de los artistas que grabaron solos, o que al grabar con otros, su nombre aparece primero, y en la columna de la derecha, los artistas que grabaron con ése de la izquierda, y así sucesivamente con todos. En los casos que sabemos que perteneció al Teatro Alhambra, o al Teatro Cubano, así lo hacemos constar al lado de cada nombre. De esta manera, puede localizarse a cualquier artista en todas las combinaciones que ha tenido con otros. Si no aparecen en la columna de la izquierda, es que no grabaron solos o con su nombre apareciendo en primer lugar.

REGINO LOPEZ

egino López nació en Asturias en 1861 y emigró a Cuba a los nueve años.132 Comenzó en el teatro bufo con su hermano Pirolo en 1891, en el viejo Alhambra; pero al disgustarse con éste, se dijo que por causa de Consuelo Novoa, con la que se casó y después se divorció, pasó al Teatro Lara, que por cierto quedaba a corta distancia del Alhambra. Como hemos visto, regres a al Alhambra a la muerte de Pirolo, para convertirse en uno de los principales factores de triunfo de este teatro. Como director, nos dice Rine Leal, fue serio, disciplinado; como actor genérico interpretaba cualquier tipo, excepto el de negrito: borracho, gallego, asturiano, y hasta emocionado galán. Era excelente bailarín, y discreto barítono. Fue un actor inteligente, con olfato extraordinario para captar el gusto del público. Murió en 1945.

PIANOLO Y CU CU RU CU CU PALOMA DÁMASO PÉREZ PRADO

AY! COSITA LINDA CASA DE FERNANDO Y MI CARIÑITO PACHO GALÁN

JUAN CRUZ

De Juan Cruz sólo sabemos por Ezequiel Rodríguez 186 que era barítono y lógicamente hacía papel de voz segunda en los duetos o dúos, típicos de la trova. Por razones tradicionales, o funcionales de bregar mejor con las canciones, boleros y otros géneros cultivados por los trovadores, es evidente que preferían ellos y/o el público la fórmula dual, con una voz prima y una segunda. Tocaba además la guitarra. Para Ezequiel, está conjuntamente con Miguel Zaballa, José Figarola, Bienveni do León, Higinio Rodríguez y Adolfo Valdés en el grupo de mejores segundas voces de la época de oro de la trova cubana

PACHO MAJAGUA

Pancho Majagua . En todos los casos al parecer, Corona hizo de voz segunda. Ya veremos que también grabó con María Teresa Vera. Pancho Majagua, cuyo verdadero nombre era Francisco Albo Salazar 183 , nació en La Habana en 1876. Viajó de niño por España y Suramérica y vivió un tiempo en Venezuela de donde trajo Fúlgida luna, un número colombiano que se hizo muy popular en Cuba. En La Habana conoció a otro personaje farandulero, Carlos Díaz de Villegas y García, conocido por Tata Villegas y nacido en Sancti Spíritus, Las Villas el 4 de marzo de 1886. 184 Aunque Majagua era diez años menor que él, eran dos almas gemelas que les gustaba cantar, tocar y hacer bohemia. Si los otros trovadores llegan a la bohemia por su afición musical, éstos llegan a la música por su afición bohemia. Tata tocaba la guitarra y hacía de segunda voz, y Majagua, de primera. Al parecer eran de familias acomodadas, lo que les permitía cumplir el pacto que hicieron cuando comenzaron a cantar juntos en 1910 y lo harían durante 50 años: no cobrar por sus actuaciones. Lo de "Majagua" le venía a Pancho, porque de joven gustaba vestir bien, y la moda suprema para los cubanos en aquella época (y por muchos años) era el traje blanco de dril cien, que criollamente se conocía como "una majagua" usando el nombre de este árbol y su madera como sinónimo de calidad, de excelencia. Desgraciadamente, grabaron muy poco. Y no los hemos escuchado, por lo que no podemos opinar sobre su calidad. Interpretaban números afrocubanos, como claves abakuás, pero parece que no las grabaron. Pancho murió bastante mayor, después de 1958, y Tata Villegas vivió 103 años, hasta el 4 de octubre de 1989

DUO CASTILLO Y LUNA

El Dúo Castillo-Luna . De él sólo sabemos que Manuel Luna nació en Colón, Matanzas, en 1887 178 y murió en La Habana en 1975 179 y que en la década del diez hizo dúo con José Castillo, voz prima. Para fines de los veinte y los treinta, Manuel Luna, que también era compositor, tocaba en el Café Vista Alegre con su cuarteto. Puso música a los versos de La cleptómana de Agustín Acosta, logrando un número de oro en la trova tradicional cubana. Tocaba la guitarr

María Teresa Vera and Manuel Corona: El yambú guaguancó - Columbia C35...

FLORO ZORRILLA

Floro Zorrilla aparentemente fue de los trovadores el que más grabó, en dueto con Miguel Zaballa, Juan Cruz, Higinio Rodríguez, Salomé (de quien no tenemos otra información) y otros. Era tenor y tocaba la guitarra. Como otros trovadores, estuvo vigente en estas dos décadas del 10 y el 20, actuando principalmente en cines y teatros, giras dentro y fuera de Cuba y las grabaciones, que si económicamente no resolvían mucho, eran una buena publicidad para el artista. Afortunadamente hay bastante información de Sindo Garay , otro de los cuatro grandes de la trova tradicional cubana. 192 Nacido en Santiago de Cuba, se supone que el 12 de abril de 1867, autodidacta hasta para aprender a leer, muy pobre, según él compone su primera canción a los 10 años, Quiéreme trigueña. Y poco después está nadando en la bahía de Santiago de Cuba, infestada de tiburones, para llevar mensajes de las fuerzas insurrectas cubanas; entra en el circo como payaso y maromero, viaja por Santo Domingo y Puerto Rico allá por 1894. Con el alborear de la República, llega a La Habana este hombre menudito, bizco, feísimo y genial 193 : él será paradigma de la trova, de la vida bohemia , de la canción cubana. Lleva sangre india, negra, española pero es todo cubano. Se han podido inventariar unas 300 obras de Sindo, pero es posible muchas otras se hayan perdido sin llevarse al pentagrama. Como intérprete, llamaba la atención a artistas como Andrés Segovia lo bien que manejaba la guitarra pese a lo pequeño de sus manos. Como cantante, con su voz de barítono le hizo segundo a su hijo Guarionex por 60 años. Pero sobre todo como compositor es aún un misterio como un hombre con escasos conocimientos musicales pudo innovar y emprender caminos nuevos en el uso de la guitarra, adelantándose en muchos años a sus contemporáneos. Para los años que estamos cubriendo ahora, Sindo además de los sitios de trabajo mencionados, trabajó mucho en el Café Vista Alegre. Como sabemos, uno de los primeros compañeros de Sindo fue Eduardo Reyes, con quien grabó la criolla La Dorila, que Sindo había aprendido de su autor, el dominicano Alberto Vázquez en su viaje a Quisqueya alrededor de 1899, Tanta fue la popularidad de este número que a Reyes se le quedó el apodo de Dorila. Sindo fue, de los cuatro grandes de la trova, quien más grabó como cantante haciéndole segundo a Dorila, y a su hijo Guarionex. Villalón intervino mucho como guitarrista, pero al parecer no cantaba. Corona grabó algo como guitarrista y menos como cantante, y Rosendo Ruiz grabó con su trío, pero del año 1925 en adelante. Sindo murió el 17 de julio de 1968 a los 101 años.

JOSE FIGAROLA

mencionado, y con una figura pintoresca — Pancho Majagua . En todos los casos al parecer, Corona hizo de voz segunda. Ya veremos que también grabó con María Teresa Vera. Pancho Majagua, cuyo verdadero nombre era Francisco Albo Salazar 183 , nació en La Habana en 1876. Viajó de niño por España y Suramérica y vivió un tiempo en Venezuela de donde trajo Fúlgida luna, un número colombiano que se hizo muy popular en Cuba. En La Habana conoció a otro personaje farandulero, Carlos Díaz de Villegas y García, conocido por Tata Villegas y nacido en Sancti Spíritus, Las Villas el 4 de marzo de 1886. 184 Aunque Majagua era diez años menor que él, eran dos almas gemelas que les gustaba cantar, tocar y hacer bohemia. Si los otros trovadores llegan a la bohemia por su afición musical, éstos llegan a la música por su afición bohemia. Tata tocaba la guitarra y hacía de segunda voz, y Majagua, de primera. Al parecer eran de familias acomodadas, lo que les permitía cumplir el pacto que hicieron cuando comenzaron a cantar juntos en 1910 y lo harían durante 50 años: no cobrar por sus actuaciones. Lo de "Majagua" le venía a Pancho, porque de joven gustaba vestir bien, y la moda suprema para los cubanos en aquella época (y por muchos años) era el traje blanco de dril cien, que criollamente se conocía como "una majagua" usando el nombre de este árbol y su madera como sinónimo de calidad, de excelencia. Desgraciadamente, grabaron muy poco. Y no los hemos escuchado, por lo que no podemos opinar sobre su calidad. Interpretaban números afrocubanos, como claves abakuás, pero parece que no las grabaron. Pancho murió bastante mayor, después de 1958, y Tata Villegas vivió 103 años, hasta el 4 de octubre de 1989. 185 De Juan Cruz sólo sabemos por Ezequiel Rodríguez 186 que era barítono y lógicamente hacía papel de voz segunda en los duetos o dúos, típicos de la trova. Por razones tradicionales, o funcionales de bregar mejor con las canciones, boleros y otros géneros cultivados por los trovadores, es evidente que preferían ellos y/o el público la fórmula dual, con una voz prima y una segunda. Tocaba además la guitarra. Para Ezequiel, está conjuntamente con Miguel Zaballa, José Figarola, Bienveni do León, Higinio Rodríguez y Adolfo Valdés en el grupo de mejores segundas voces de la época de oro de la trova cubana. Grabó con José Parapar , apodado El Galleguito , por ser oriundo de España. Mayormente hizo dúo con Higinio Rodríguez y con su esposa, nombrada "Felola". De Andrés Hernández , y de Martínez , no tenemos información. Bienvenido León , otra extraordinaria segunda voz, nació en La Habana el 22 de marzo de 1888. Muy joven marchó a Tampa, para trabajar en tabaquerías empez ando allí su carrera de cantante. En 1911 regresó a Cuba formando parte del cuarteto Nano del que hablaremos. En 1924 viajó a Nueva York con Juan de la Cruz y Alberto Villalón, para hacer grabaciones. Después formó parte del Septeto Nacional, pero ya continuaremos la historia de su vida en el próximo volumen. 187 La otra segunda voz que lo acompañó fue Miguel Zaballa , guitarrista también que nació en La Habana en 1886 y falleció el 17 de diciembre de 1965. Hizo dúo mayormente con Floro Zorrilla, en el ámbito artístico donde se movían los trovadores, o sea, actuaciones en teatros y cines de La Habana, giras por la república, cafés y restaurantes, y grabando discos cuando se presentaba esta oportunidad. Pero tuvo más suerte que otros, viajando a Estados Unidos, Santo Domingo, Haití, Puerto Rico y México, según parece. En 1924 entró como guitarrista en el sexteto Colín, hizo dúo con Machín antes de entrar éste en la orquesta de Azpiazu. En 1929 fundó el conjunto Zaballa, pero aparentemente no hizo más grabaciones. 188 José Figarola nació en Santiago de Cuba el 20 de junio de 1893, aunque no hay seguridad en la fecha. 189 Debutó a los 16 años cantando a dúo con Blanca Becerra. Aprendió de Pepe Sánchez, Emiliano Blez y Sindo Garay. En 1908 figuró en el Quinteto Santiaguero junto a Luis Felipe Portes, falsete, Pepe Figarola, voz prima, Bernabé Ferrer, segunda voz, Pepe Sánchez, guitarra prima, y Emiliano Blez, guitarra acompañante. Lamentablemente a los efectos de las grabaciones, el quinteto se redujo a trío, con Figarola, Bernabé y Blez, privándonos así de escuchar la guitarra de Pepe Sánchez , el creador del bolero ... Sin embargo, en entrevista hecha a Figarola, en 1973 190 , cuando tenía 90 años, después de hablar del trío con Emiliano Blez y Bernabé Ferrer que dice fueron de los primeros en introducir el bolero en La Habana allá por el 1910, señala: "Me acuerdo que cantamos en el Hotel Inglaterra. En La Habana conocí al músico y compositor Jorge Anckermann el cual admiraba mucho las canciones de Pepe Sánchez. A petición de él formamos un quinteto para realizar grabaciones: Pepe Sánchez, Emiliano Blez, Bernabé Ferrer, Luis Felipe y un servidor. Eso fue por el año 1912 a 1917". 191 Figarola también cantó con el grupo Cancioneros del Oriente, y tuvo una segunda etapa con el Trío Oriental, después de 1925, con Valeriano Dougherty, guitarra, y Roberto Moya, guitarra y segunda voz.

BIENVENIDO LEON

Bienvenido León , otra extraordinaria segunda voz, nació en La Habana el 22 de marzo de 1888. Muy joven marchó a Tampa, para trabajar en tabaquerías empez ando allí su carrera de cantante. En 1911 regresó a Cuba formando parte del cuarteto Nano del que hablaremos. En 1924 viajó a Nueva York con Juan de la Cruz y Alberto Villalón, para hacer grabaciones. Después formó parte del Septeto Nacional, pero ya continuaremos la historia de su vida en el próximo volumen. 187 La otra segunda voz que lo acompañó fue Miguel Zaballa , guitarrista también que nació en La Habana en 1886 y falleció el 17 de diciembre de 1965. Hizo dúo mayormente con Floro Zorrilla, en el ámbito artístico donde se movían los trovadores, o sea, actuaciones en teatros y cines de La Habana, giras por la república, cafés y restaurantes, y grabando discos cuando se presentaba esta oportunidad. Pero tuvo más suerte que otros, viajando a Estados Unidos, Santo Domingo, Haití, Puerto Rico y México, según parece. En 1924 entró como guitarrista en el sexteto Colín, hizo dúo con Machín antes de entrar éste en la orquesta de Azpiazu. En 1929 fundó el conjunto Zaballa, pero aparentemente no hizo más grabaciones

BILLO EL BRAZALETE

BOBBY COLLAZO

Roberto Cecilio Collazo Peña. Conocido como Bobby Collazo. Compositor, pianista, orquestador, director y actor, miembro de la ASCAP. Contenido Síntesis biográfica Nació en La Habana, Cuba el 22 de noviembre de 1916 y falleció en Nueva York, Estados Unidos, el 9 de noviembre de 1989. Su carrera artística comenzó en 1940, cuando en un concurso de canciones organizado por la RHC Cadena Azul, presentó Rumba matumba, que obtuvo el segundo lugar. Ernesto Lecuona lo llevó a sus Conciertos Populares del teatro Encanto, y allí estrenó Luna de Varadero y Tenía que ser así. Posteriormente trabajó en la radioemisora CMQ, de Monte y Prado, en el programa Bobby Collazo, su piano y sus canciones, en el que estrenó: Lejanía Serenata mulata Para qué vivir, interpretadas por Olga Rivero, Elsa Valladares y Berta Velázquez Trayectoria artística En 1946 viajó a México con Julio Gutiérrez, y fue presentado por la radioemisora XEW donde acompañó al piano a Pedro Vargas, quien le estrenó La última noche; también acompañó a Pedro Infante, Ana María González y Chela Campos. De México viajó a República Dominicana, donde ya sus canciones habían obtenido un notable éxito, y además actuó en la radioemisora La Voz de Yuna. Las obras de Bobby Collazo han sido interpretadas por: Olga Guillot Xiomara Alfaro Celia Cruz Vicentico Valdés Celio González Fernando Albuerne María Luisa Chorens Rolando Laserie Esther Borja Elena Burke En 1952 lo hicieron miembro de la ASCAP. Presentaciones Radiales Sus presentaciones radiales fueron muchas y muy variadas actuó en: Radio Splendid, Buenos Aires, Argentina Radio Tupi, Río de Janeiro, Brasil Radio Cerve, Montevideo, Uruguay Radio Granada, Bogotá, Colombia Radio Carrera, Santiago de Chile También trabajó asiduamente para la televisión en: Cuba Puerto Rico España Francia Italia Estados Unidos Fue un artista de teatro. En Cuba se le aplaudió en los Teatros: Teatro América Teatro Martí Teatro Payret Teatro Nacional Teatro Río de Colombia Teatro Follies Teatro Lírico de México, donde fungió como orquestador; en el Carnegie Hall y Town Hall, de Nueva York; Park, de Union City; New Jersey, y Mason, de Los Ángeles, California. Colaboraciones En Madrid fue director y pianista de Lola Flores; de Los Rivero, en Alicante, España; en Madrid, con el Trío Antillano. Además actuó en Barcelona con Sara Montiel y el Trío Antillano; en Beirut, Líbano, con Los Rivero; en París, con Lola Flores; y en Marruecos, con Dolores Vargas. Filmografía El cine fue asimismo escenario de los éxitos de Bobby Collazo actuó junto a: México María Antonieta Pons en Diablo o mujer, y con Silvia Pinal, Préstame tu cuerpo Cuba, en el filme Siete muertes a plazo fijo, y en Buenos Aires, con Amelita Vargas, en Miguitas en la cama. La última noche dio título a un filme mexicano, y también fue utilizada en Los pulpos, Argentina, y Good-bye Brazil, Brasil; Rumba matumba aparece en Panamericana, un corto musical para la Warner Bros., de Estados Unidos, y I Love Lucy, para la televisión, cantada por Desi Arnaz; Serenata mulata; Nostalgia habanera, se escucharía en la voz de Rolando Laserie en el filme La Cuba de ayer. Obras La guajirita, zarzuela La última noche (en colaboración con Orlando de la Rosa y José Carbó Menéndez) Lejanía Luna de Camagüey Luna de Copacabana Luna de Quisqueya Luna de Varadero Luna de Yumurí Luna gaucha Luna mexicana Mi desgracia Nostalgia habanera Para qué vivir Qué te has creído Raro hechizo Retornarás Rumba matumba Serenata mulata Tan lejos y sin embargo te quiero Tenía que ser así Vivir de los recuerdos

NO PUEDO COMPRENDER. RAFA GALINDO,BILLOS CARACAS

Antonio Mesa "Linda Quisqueya" (1929)

LINDA ARCE

la cantante Linda Arce, nacida en Ciudad Obregón, Sonora, México. De acuerdo con datos proporcionados a este programa por su esposo Isidro Olace (el excelente narrador de la serie radiofónica Kalimán), Linda llegó a los años de edad a la Ciudad de México y empezó a cantar en la Cadena Radio Continental a los 8 años, en El Mundo de los Niños, que dirigía Fanny Basalto Jaramillo. A los 12 años pasó a formar parte de la XEX, cantando con el seudónimo de Peregrina. En esos programas en La Voz de México, fue acompañada por el pianista Miguel Ángel Castellanos, creador del Conjunto Batachá. A los 15 años cantó en Crisol de Estrellas, en la XEQ, acompañada al piano por Vicente Garrido. Estos y otros datos los compartiremos con usted este viernes. Actualmente Isidro Olace y Linda Arce viven en el estado de California, en los Estados Unidos y gracias a un envío de ellos mismos compartimos con usted una fotografía de Linda Arce a un costado de estas líneas.

BOB TOLEDO

Tal vez la primera vez que escuche hablar sobre este cantante, en una reunión de familia, nació en mi una incógnita. ¿Como un cantante de nombre Bob Toledo que había logrado reconocimiento en Argentina para el segundo quinquenio de la década de los cuarenta, se destacaba fuera de un País, que aun desconocía nuestros aires tropicales?; pues tiempo después, me entero que este señor procedía, nada menos que de Cartagena de Indias y había sido cantante de una orquesta formada con músicos argentinos y dirigida por Lucho Bermúdez, compartiendo con Matilde Díaz, quien había viajado con el maestro, invitados por la casa Glottmann, que representaba la RCA Víctor en Colombia. Han pasado los años y considero en justicia que valdría la pena ahondar un poco más en su trayectoria, reconociendo que la primera información que obtuve, fue, que había dejado de existir en San Andrés producto de un inaudito suicidio acaecido a la edad de 57 años, pues eso marco aun más mi curiosidad; hoy mucho tiempo después bajo el riesgo que aun hay mucha información por descubrir, comparto con nuestro amables lectores algunas notas sobre su vida. Pues si bien nació en Cartagena, en el barrio San Diego, el 12 de abril de 1917, (1) su nombre era ALBERTO BASMAGI BALAN y era de origen Armenio; fueron sus Padres don Decrán Basmagi y doña Ezequille Balan, procrearon cinco hijos siendo Alberto el mayor de sus hermanos: Andrés, Guillermo, Olivia y Olga la menor de ellos. Son los laboratorios Fuentes, de Cartagena (Fabrica de productos farmacéuticos), de propiedad de don José María Fuentes, los que sirven de base para que de la mano de su hijo, el empresario don Antonio José Fuentes López Tagle “Toño Fuentes” (En la foto), de origen a la Emisora de los laboratorios Fuentes, nacida en 1932 en el tercer piso del edificio donde funcionaban los laboratorios, la licencia comercial la adquiere en el 1934, convertida en “Emisora Fuentes”; es allí tres años después donde Alberto Basmagi con 20 años de edad, tiene contacto con el naciente ámbito artístico en nuestro País, convirtiéndose en locutor y animador en del Radioteatro de Emisoras Fuentes. Para dar mayor presencia a la radio, se crean y se invitan orquestas, para presentarse en el radioteatro, es así como en el 1937 se crea por parte de don Toño Fuentes la agrupación a la que denomino “Rumberos Tropicales”, donde actuaban: Senén Villareal, José María González, Gabriel Nemesio Gómez, Ramón Méndez, como pianista estaba Adolfo Pareja Jiménez y esporádicamente como cantante Alberto Basmagi, quien tenía la facilidad de cantar en español e inglés. Su primera incursión internacional se da en Panamá cuando continua en la labor de animar eventos y se vincula como cantante de la afamada orquesta de Armando Boza (En la foto) a finales el 1937, deja para la posteridad los boleros “Te vas” y “Cuando muere la tarde” de la pluma de Ricardo Fábregas. Permanece en ciudad de Panamá, donde también trabajo con la orquesta dirigida por el costarricense Edwin Morgan hasta el 1944, decide trasladarse a Cuba; al parecer en la Isla graba con la orquesta Hatuey. Para 1945 llega a Buenos Aires, Argentina; donde una vez más con el apoyo del costarricense Morgan, se vincula a la orquesta dirigida por el Bonaerense Ken Hamilton; que previamente había trabajado convenientemente con el saxofonista Dante Varela, en una orquesta a la que habían llamando la orquesta jazz band Hamilton – Varela, luego deciden separarse creando cada uno su propia banda; es menester mencionar que nuestro compatriota que ya toma su seudónimo o nombre artístico de Bob Toledo, actuó en Argentina con las dos orquestas; con la del gran Dante produce grabaciones para el sello RCA Víctor. Continua lo que le había distinguido en el pasado como hombre de radio, animando y cantando, se vincula a la afamada orquesta dirigida por Carlos Di Sardi , donde alterna con Mercedes Simone y el gran Bandoneonista del tango clásico Aníbal CarmeloTroilo. Es justamente en el 1946, cuando Luis Eduardo Bermúdez Acosta, “Lucho Bermúdez”, viaja a la Argentina en compañía de Matilde Díaz, viaje donde el hombre de Carmen de Bolívar obtiene gran apoyo de connotados músicos como el violinista Eugenio Nobile, Enrique Rodríguez y de Eduardo Armani; se arma una jazz band de 22 músicos y Bermúdez invita a Bob Toledo a grabar con él iniciando por la pieza “Danza Negra" compuesta por Bermúdez en la Argentina, luego vienen: “El Yo yo” “Caprichito”,” Borrachera”, ”Kalamary” y “Te Busco”. Igualmente en una tierra que le vio triunfar dándole el reconocimiento a su talento Bob Toledo graba con la Orquesta Santa Anita Jazz, dirigida por el trompetista Dante León, al lado de los también cantantes Lila Kay, Alberto Deval y Biby e Hilda Brian; los volúmenes 1 y 2 de “Ritmo en el Alma”. Otros integrantes de esta afamada orquesta fueron: Juan 'Chino' Ibarra (saxo alto y tenor), Isidro Rocha (clarinete), Quique Viola (guitarra), Enrique Lynch (piano), Mario Sansone (contrabajo) y Rudy Lane (batería y canto). Muchos de los integrantes venían de la orquesta conocida como “Ahmed Ratip y sus Cotton Pickers”, tales como: "Pipi" Mariconda (trompeta, guitarra y canto), Bernardo Barbará (trompeta), Néstor Cori (saxo barítono y canto), Rubén Ochoa (saxo alto y clarinete), Lito Delgado (clarinete y saxo tenor), Enrique Varela (saxo tenor), Carmelo Nicotra (piano), Julio Derisi (contrabajo), Osvaldo López (batería). Esta orquesta grabo además en Chile, Perú, y Colombia. Con la Orquesta de Claudio Forbasch, registra los boleros de Federico Baena “Por eso te perdono” y de Osvaldo Farres “Para que sufras” Un histórico registro se da para el 31 de marzo de 1948, dejando para la posteridad un trabajo con canciones del maestro Mexicano Agustín Lara, al que se le titulo “María bonita” – Canción mexicana. Dentro de ese periplo cercano a los diez años en la Argentina, Bob Toledo actuó con las Orquestas Víctor S, Lister, registrando grabaciones en el 1949, con Don Américo Belloto y sus Caribes (En la foto); grabando para el sello Odeón y para el sello Pampa en los años 52 y 53, para la orquesta de Vlady; sus últimos registros los deja con la orquesta dirigida por el pianista Charles Wilson, donde continua con sus interpretaciones en dos idiomas. Este excepcional cantante estuvo casado en la Argentina con la presentadora de la radio Nuevo mundo de Buenos Aires Lucia Marcó, a quien cariñosamente llamaba “La Cuca”. A finales de 1955 regresa Bob Toledo a Colombia, instalándose en la ciudad de Barranquilla, el propietario de discos tropical lo vincula al sello grabando con el gran trompetista, maestro Pacho Galán el trabajo Ritmo Tropical, incluyendo temas como “Hoy”, “Consentida”, “Hoy he llorado”, “No me dejes sólo”, “ Yo soy feliz”, “Ahí viene la negra”, Cartagena, "Cachito", "Marbella", "Buenos Días tristeza" entre otros... También para el sello Tropical Bob Toledo graba dos Larga duración con arreglos y dirección de Mincho Anaya, el que titularon “Boleros para recordar” participa en el piano Lalo Orozco y en la guitarra Sofronín Martínez, incluyen temas como: “Hay que saber perder”, “Eclipse”, “Nunca”, “Incertidumbre”, “Llanto de luna”, “Inolvidable”, Lagrimas negras”, “Mala noche” y “Que te vaya bien”, entre otros. Viaja a Costa Rica, para el 1956, país que ya le era familiar por su amistad con el músico Wilson Morgan, allí actúa con las afamadas orquestas de Lubín Barahona, Orquesta Murillo, dirigida por el músico y compositor Gilberto Murillo y la Orquesta Maryval, por las que paso el gran cantante Rafa Pérez. En 1960 Bob Toledo se radico en San Andrés Islas y crea en compañía de su hermano Guillermo Basmagi dos Casas Comerciales. Por razones aún desconocidas el 21 de abril de 1974, se quitó la vida en su apartamento, su familia siempre ha sido renuente a hablar sobre este suicidio que quedo para la historia sin explicación aceptable. Solo nos resta ratificar nuestra intención de aportar alguna información, sobre su vida, al cumplirse CUARENTA Y DOS AÑOS DE SU PARTIDA la que consideramos no ha sido suficientemente documentada.

NORO MORALES

Noro Morales, el "Rumba Man". Impulsor de la rumba y uno de los músicos mas trascendentales en el ambiente latino de New York en las décadas de 1940 y 1950. Compositor, director de bandas, trombonista y pianista. Natural de Puerta de Tierra, en San Juan, Norosvaldo ("Noro") Morales nació el 4 de enero de 1911 en el seno de una familia musical. Su padre, Luis Morales, era violinista y desde temprana edad Noro y sus hermanos se sumaron a un proceso de educación musical que los convirtió en grandes ejecutantes. Comenzó su formación estudiando trombón y bajo, al tiempo que sus hermanos se desarrollaban en otros instrumentos: Ismael (Esy) estudió flauta y saxofón; Humberto, percusión; José(Pepito), saxofón; Luis, violín y Alicia, piano. Cuando apenas tenía trece años de edad, se mudó junto con su familia a la ciudad de Caracas, en Venezuela. Su padre había sido invitado por el entonces presidente venezolano Juan Vicente Gómez para fungir, junto a sus hijos, como la orquesta oficial del régimen dictatorial. En 1930, Noro y sus hermanos regresan a Puerto Rico. La agrupación se desintegró pero el pianista continuó sus ejercicios musicales participando en las orquestas de Ralph Sánchez y su sinfónica, Augusto Rodríguez y sus Midnight Serenaders, Carmelo Díaz Soler y Rafael Muñoz. Durante su estadía en la ciudad de Nueva York( 1937) se lanzó a la faena de reorganizar la orquesta de su familia, nutriéndose del talento de sus hermanos, Ismael, Humberto, José, Luis y Alicia junto a quienes se dio a conocer como la orquesta de Los Hermanos Morales, amenizando en el legendario club El Morocco. En el 1938 la rebautizó como Noro Morales y su Orquesta. Temprano en la década de 1940, Noro residía en un apartamento justo en el mismo edificio donde vivía el compositor boricua Rafael Hernández Marín y su hermana Victoria. Cada vez que a Rafael Hernández se le ocurría una idea nueva para una melodía, recurría a casa de Noro para componerla en su piano, muchas veces con su asistencia. Por eso, y como un gesto de buena voluntad, se encargó que su colega y compatriota fuera el primer músico en grabar aquellas melodías que resultaban de sus encuentros e intercambios amistosos. De esa manera, el 15 de junio de 1938 asistió a los estudios de Columbia Records a grabar el tema "Ahora Sí Somos Felices", que vocalizó su cantante Pedro Ortiz Dávila ( "Davilita"). En enero de 1942 grabó "Serenata Rítmica" provocando furor tanto en el público latino como el anglosajón. El éxito de ese tema también le ganó la oportunidad de trabajar como músico en un proyecto cinematográfico que estelarizó Jorge Negrete y que fue todo un éxito, al punto que convirtió a la rumba "Serenata Rítmica" en un tema emblemático de la puertorriqueñidad desde la diáspora. En su época de oro integró la Orquesta de Xavier Cugat. La popularidad de Noro Morales estuvo inscrita en su virtuosismo en la interpretación del piano, su liderato como director de orquesta y su hábil y espléndido desempeño como compositor. Tanta fuerza generó su presencia en los escenarios musicales latinos de Nueva York en los años' 40 y 50 que figuras de la talla de Xavier Cugat, entre otros muchos, no ocultaban su admiración por las melodías del pianista y gozaban de asistir a sus presentaciones para deleitarse con sus formas de ejecución. "Su estilo y su sensacional sentido de ritmo, y su portentosa precisión, lo convirtieron en el número uno de las improvisadores de montunos interpretados en rigurosos tiempos de rumba", relata el historiador Max Salazar. Noro Morales, que se convirtió en uno de los vendedores de discos más fuertes en el mercado de los años 40, fue poseedor de un sentido rítmico maravilloso que, según los expertos, arropaba al piano y suministraba sentido al contrabajo, las conga, las maracas, el bongó y los timbales. En la década de 1940 no hubo un club nocturno de prestigio en la ciudad de Nueva York que Nora Morales no hubiera pisado. Su presencia en los escenarios lo convirtió en el músico de los músicos, además de haberse convertido en el líder de la principal orquesta de rumba en Estados Unidos y Puerto Rico cuya versión de "Tea for two", grabada en 1947, lo llegó a colocar como la figura más popular de la música latina. Hizo presentaciones en los clubes mas famosos de New York: Stork Club, Copacabana, La Conga, and China Doll nightclubs. El New York Daily News seleccionó su orquesta para interpretar su prestigioso Harvest Moon Ball. No obstante, nunca olvidó sus raices de barrio latino de bajos recursos y continuó amenizando bailes en comunidades hispanas. Fue reconocido por el periódico La Prensa, como "El Rey de la Música Latina". Para los latinos de Nueva York durante la década de los años 40s y a comienzo de los 50s, las palabras “Noro Morales” significaban música bailable excitante. Morales era un hombre obeso que media cinco pies y ocho pulgadas de estatura, y pesaba 280 libras durante la plenitud de sus años. Noro era un héroe puertorriqueño en los años 40s, principalmente por dos razones; la primera, porque algunos de los títulos de las canciones que él escribió llevaban los nombres de varias ciudades de Puerto Rico, y la segunda, porque sus trabajos contenían líricas de Rafael Hernández, las cuales exaltaban la cultura de la isla (1,2). Fue, precisamente, en 1947 cuando la banda de Nora Morales compartió escena frente a frente a la prestigiosa orquesta de Bobby Byrne, en el Glen Island Casino. Ese mismo año reclutó en su batería de músicos el talento del cantante boricua Pedro Rodríguez ("Pellín"). "Nora y yo comenzamos a cantar en 1947 en el (club) China Dolí. También trabajamos en El Palledium con muchos grupos, entre ellos José Curbelo, Tito Puente, la orquesta El Nuevo Ritmo de Cuba y con Joe Fajardo y sus Estrellas. Eran los años de oro de la música latina y en los que Miguelto Valdés, Noro y Machito eran llamado los tres grandes", narró en una ocasión Pellín Rodríguez, en una entrevista realizada por Izzy Sanabria y publicada en 1974. La orquesta de Noro fue seleccionada para tocar en la posesión del gobernador de Puerto Rico. Un empleado de MGM Records, quien asistió, quedo estupefacto por la música de Noro y le firmó un contrato de grabación. Las grabaciones de Noro de “Puerta de Tierra”, “Chen Chen Ko”, “Isla Verde”, “Capullito de Alelí”, “El Sopón”, “The Peanut Vendor”, “Ponce” y “110th Street and Fifth Avenue”, hicieron de Noro un desafió para Machito. “Ponce”, compuesta por Rubén Berrios, y “110th Street and Fifth Avenue”, por Noro y su trompetista líder, Paúl López, recibieron el mayor apoyo de la radio y de las ventanas de los edificios abiertas, a través del Spanish Harlem (1,2). La popularidad de la orquesta del aclamado "Rumba Man" comenzó a declinar en los años 50 porque -cuenta el historiador Max Salazar- el músico se negó en complacer al público norteamericano no latino y, a la vez, suavizó su música y perjudicó su reputación ante el público latino que compraba sus discos. De esos años recuerdan las melodías de "Sweet Sue, Just You", "Sheik of Araby", "Song for Rouling Rouge", "Fantasía Mexicana", "No Other Love", "Am I Blue", "Me and My Shadow" e "Istanbul", entre otras. Empero, en 1958 el pianista aparece con el tema "No Blues Noro", grabado para Tico Records, y con el que recobra su sitial. Al arribo del año 1960, Noro Morales regresó a vivir a Puerto Rico, con el ánimo pulverizado y algo enfermo como consecuencia de su condición diabética, al punto de llegar a pesar cerca de 300 libras. La casa discográflca Ansonia Records le produjo los álbumes "Vitamina" y "Mi guajira", al tiempo que se desempeñó como director musical del hotel La Concha en el sector de El Condado, en San Juan. Por su banda pasaron estrellas que luego alumbrarían con luz propia: Los cantantes Machito (finales de los '30), Tito Rodríguez (mediados de los '40), Pellín Rodríguez, Vicentico Valdéz, Dioris Valladares y Vitín Avilés; los percusionistas Tito Puente, Ray Romero (en el 1942), Sabú Martínez, Manny Oquendo y Rosario; el saxofonista y arreglista Ray Santos, y el bajista Julio Andino. Entre los músicos en su banda musical se encontraban Ray Santos, Jorge López, Raúl Carrero, Juancito Torres, Pin Madera, Ralph Kemp, Pepito Morales, Carlos Medina, Lidio Fuentes, Simón Madera, Ana Carrero, y Vitín Avilés, cantante. Dirigió la Orquesta del Hotel La Concha desde su regreso a la isla en el 1961. Considerado por muchos como "El Duke Ellington latinoamericano", sentó la pauta para el desarrollo dé la musicalidad afroantillana en un preámbulo a la consolidación del sonido caribeño que dominó el escenario en los años 70 y que se denominó salsa. Fue, sin duda, una de las figuras más prominentes para el desarrollo salsero, al convertirse en la figura latina de más prominencia en el ambiente musical neoyorquino justo cuando las formas melódicas afrocaribeñas definían su curso. En el mapa de la música del Caribe, tres décadas antes del surgimiento de la salsa, Noro Morales fue la figura puertorriqueña de más valor como representante de la rumba y la guaracha. No hay duda que junto a él otras personalidades de la canción popular -puertorriqueñas y cubanas- jugaron un papel también irrevocable en la confección de las nuevas estructuras sonoras de la música afroantillana, pero, quizás, ninguno con su forma de ejecución y su sensibilidad artística. "Era de los más grandes pianistas que ha tenido América. Su forma de expresión... esos dedos parecían ángeles. Son muy pocas las personas que tienen y han tenido el sentido interpretativo de Noro Morales, y eso es increíble. Jamás tocó, él acariciaba el piano porque Rene (Hernández) era muy bueno, pero Noro tocaba distinto, era un sabor diferente. Cuando la música popular puertorriqueña toma auge de grandeza ya Noro estaba allí. Simpático y buena gente, su trabajo tiene que aparecer en la historia cultural de Puerto Rico como una de sus primeras figuras", sentenció la veterana cantante Ruth Fernández, cuya voz unió al versado pianista en los años 60 para realizar un disco. Es autor de: "Bim Bam Boom" (guaracha), "Indiferencia" (interpretada por Pellín Rodriguez), "María Cervantes", "No Puede Ser"(bolero), "Oye Negra" (guaracha), "Vitamina", "Walter Winchell Rumba", "What Happened, Baby", "Mi Guajira" (guajira), "Oye Men" (guaracha)... Discografía: Adiós Muchachos, At the Harvest Moon Ball, Holiday in Havana, Let's Go Latin American, Mambo With Morales, Mambos y Guarachas, Miguelito Valdés Mr. Babalú With Noro Morales Orquestra, Noro Morales en su Ambiente, Noro Morales : His Piano and Rythm, Ritmos del Caribe. Rumba Rhapsody.

Cuartero Hatuey Y Antonio Machín - Dame Un Trago Tabernero (Capricho Son)

ORQUESTA DE LUIS CASAS ROMERO

Orquesta Luis Casas Romero Luis Casas Romero vivió una vida intensa y variada. Nació en Camagüey, el 24 de mayo de 1882. A los 9 años comenzó sus estudios musicales y a los doce ya tocaba flauta en la orquesta de la Sociedad Popular Santa Cecilia. En 1895, con 14 años, se unió al ejército insurrecto cubano, y al terminar la guerra regresó a Camagüey, donde trabajó al mismo tiempo como director de una orquesta de baile de una Banda Infantil y de tipógrafo. En 1904 se traslada a La Habana e inmediatamente va escalando posiciones en el difícil ambiente musical; dirige la orquesta del Teatro Martí e integra, como primer flautista, en casi todas las orquestas de teatro habaneros. En 1909, Hubert de Blanck lo nombra catedrático de la asignatura Flauta en el Conservatorio Nacional de Música. Ese es el año que compone, o da a conocer, si las había compuesto antes, sus criollas. Como vemos, grabó ese año para la Columbia "Olvídame", "Hortensia", "Graciela", de su inspiración, y "Nena Mía", de Jorge Anckermann. Su biógrafo, Oscar Luis López 219 , señala que su criolla Carmela se estrenó el 1ro. de noviembre de 1912 (pag. 110). Pero lo cierto es que "Carmela", como vemos en la discografía, fue grabada en 1909 por Luis Casas y su orquesta. López sostiene la paternidad de la criolla a favor de Luis Casas Romero, frente a otros escritores que se la atribuyen a Jorge Anckerman, o por lo menos la consi deran compartida entre ambos compositores. Pero no habla del posible origen dominicano de la criolla, que el mismo Sindo indicaba, como hemos visto en la parte en que hablábamos de los trovadores, en que señalaba haber traído "la criolla La Dorila de Santo Domingo", antes de 1909. De hecho, como aparece anteriormente en el capítulo V fue grabada en 1906 por A. Colombo y P. Jimenez, pero como clave. En 1913, Casas ingresó en el ejército cubano para organizar la Banda de Artillería, y continuó ascendiendo hasta Director de la Banda del Estado Mayor. Permaneció vinculado al ejército durante más de 30 años. Nos referimos también a su intervención en las primeras sesiones de grabaciones de la Víctor en La Habana en 1909 y 1916, tanto al frente de su orquesta como de la Banda del Regimiento de Infantería de La Habana. Pero este inquieto y emprendedor músico fundó además en 1918 con su hijo del mismo nombre la primera fábrica de rollos de pianola e igualmente junto a su hijo, fue uno de los pioneros más importantes de la radio cubana, primero con emisoras de aficionado, y después con vari as emisoras entre ellas la COC, la primera emisora de onda corta que tuvo Cuba. En 1912 escribió su criolla más conocida, El Mambí, casi autobiográfica de sus años en la manigua cubana durante la guerra. Se calculan en quinientas las obras que escribió de distintos géneros cubanos. Falleció en La Habana, el 30 de octubre de 1950. Hemos escuchado de la orquesta de Casas las criollas "Nena Mía" (Col-801) ca 1909 (A), "Hortensia" (Co. 815) ca 1909 (A), "Olvídame" (C-825) ca 1909 (A). Todas son instrumentales salvo la última y el trabajo de orquestación muy interesante. Para su época, es notable como las grabaciones pudieron captar el inteligente trabajo de armonización, el uso adecuado que hacía Casas de las cuerdas, las maderas y los metales, para crear el estilo que podemos llamar "sinfónico cubano", o sea, música cubana a completa orquestación, que después desarrollara Roig en sus arreglos. Pero las bases están aquí. Jacob Maurice Coopersmith, comenta que los composit ores sobresalientes de la segunda mitad del siglo diecinueve, entre los que sitúa a Alberto Vázquez, autor de La Dorila, "estaban comenzando a popularizar la sentimental serenata nacional, la barcarola criolla" 220 y agrega al hablar de la Dorila: "La criolla, serenata indígena sentimental de República, es de origen algo dudoso". "Esta forma de canto es una cuasi barcarola que se conoce generalmente como una forma de dos partes, cada parte co mpuesta de 16 compases repetidos, la primera en tono menor y la segunda en mayor. Cuando se agrega una tercera parte, la relación de la clave es tónica mayor, repitiéndose todas las partes. El elemento más característico de la criolla es la mezcla de compases de 6/8 y 3/4". En su nota 276, precisamente a este párrafo, dice Coopersmith: "Exista una forma similar en Colombia -bambuco- y en Cuba". Julio Alberto Hernández, opina: "La criolla es un estilo de serenata dominicana acostumbrada todavía en el ambiente urbano de las pequeñas poblaciones... El compás de la criolla es de 6/8 y su letra casi siempre sentimental, de erotismo romántico y poético, nunca trasciende de lo pasional a lo obsceno". 221 Juan Francisco García dice: "Al declinar el siglo XIX, la música religiosa sufre un estancamiento general contrapuesto al auge que toma la música popular exótica... Pero surge a la vez un nuevo tipo de canción o serenata en compás de 6/8: la criolla (distinta de la otra anterior en compás de 2/4) cuyo prototipo, La Dorila, de Alberto Vázquez, fue introducida en Cuba por Sindo Garay". "La criolla dominicana es, por lo regular, una simple canción de serenata cuyo ritmo acompañante, encomendado a la guitarra, tiene cierto parecido con el de la barcarola veneciana" 222 . Arístides Incháustegui se expresa así: "Expresión musi cal romántica por excelencia del dominicano, escrita en compás de 6/ 8. Está vinculada a la barcarola ita liana. Juan Francisco García (16-IV-1892 18-XI-1974) llamó 'barcarolas criollas' a sus primeras composiciones de este género. Consta de una primera parte en tono menor y una segunda en tono mayor. Se acompañaba con guitarras y clave aunque a veces se le agregaban flautas, clarinetes y violines". 223 En su correspondencia, me relata Incháustegui que en su trato con el autor antes citado, Juan Francisco García, éste le dijo que cuando fue a Cuba en 1925 hizo buena amistad con Sindo, quien le contaba había ido a Santo Domingo en 1893 como volatinero de un circo, se quedó un tiempo en Puerto Plata, conociendo a músicos dominicanos, y que lo que le había gustado más era la criolla "Dorila" que de vuelta a Cuba la popularizó allí, y que poco después sus compañeros de bohemia le decían, déjame tocarte esta canción que he compuesto 'a la Dorila' o sea, en el estilo de la Dorila. También señala Incháustegui que comentando este tema con el nonagenario maestro y escritor Julio Alberto Hernández, éste le contaba que en su viaje a Cuba en 1924, había visto partituras cubanas de criollas dominicanas, editadas por la editora Anselmo López y Cía., transcriptas y armonizadas en Cuba, que aunque decían en las partituras "criollas cubanas", eran composiciones dominicanas. Recuerda también el maestro Hernández, que Luis Casas Romero dió un viaje a República Dominicana con una banda cubana, aunque no puede precisar la fecha. Incháustegui no comparte el comentario de Coopersm ith entroncando el bambuco con la criolla. Y señala, que quizás el enfoque de este autor se deba a la frecuente costumbre de las casas disqueras a trastocar los verdaderos géneros musicales latinos: en las grabaciones del Trío Borinquen, "Ansias Locas", de Bienvenido Troncoso y "Así son mis cantares" de J.H. Ortiz, aparecen catalogadas como bambucos, cuando en realidad son la primera, una criolla dominicana, y la segunda una canción criolla puertorriqueña. En cuanto a las manifestaciones del Maestro Hernández, es cierto que Luis Casas viajó a la República Dominicana 224 pero fue en el año de 1913, con la Banda del Estado Mayor del Ejército cubano, donde acababa de ingresar, o sea, años después de haber compuesto sus primeras criollas. Hemos escuchado criollas cubanas y dominicanas, sin que podamos llegar a la conclusión de que se trata del mismo género musical, o de dos géneros parecidos, con un nombre idéntico. Hay que fijarse que los autores citados al hablar de la criolla dominicana la consideran romántica, sentimental, propia de serenatas, mientras que Gonzalo Roig decía de la criolla de Casas: "La criolla es más movida que la clave, de melodía más sincopada" 225 . No hay que olvidar que las primeras criollas de Casas no tienen letra, salvo Carmela, y poco se concilia un número instrumental con música propia de serenatas. Pero en realidad dilucidar este complicado tema, escapa de los ámbitos de nuestro trabajo. Sólo queríamos dejarlo planteado, para que musicólogos capacitados puedan llegar a

ORQUESTA DE ENRIQUE BRYON

Orquesta Enrique Bryon Enrique Bryon es uno de los grandes olvidados de la música cubana. Según entrevista de Arturo Ramírez, 217 nació en La Habana el 27 de noviembre de 1899, y desde pequeño comenzó a tocar el piano de oído, sin estudios musicales. A los 17 años compuso su primera canción que llegó al público, "Melodía Macabra". Parece que su característica era la audacia, y en 1916 estaba dirigiendo su propia orquesta. Se marcha a Nueva York en 1918, donde años después graba una serie de pregones (que son los que aparecen en la discografía, grabados en 1923). Es curioso que Bryon dice en la entrevista citada que le acompañó una "orquestica" de cubanos, mientras que las grabaciones hablan de "Orquesta Cubana Sinfónica de Enrique Bryon". Estuvo varios años en Nueva York, donde en 1932 pegó su pregón "El Caramelero". En 1922 se trasladó a México 218 donde llegó a ser Teniente Coronel de la Policía, actuando de subdirector de la Banda de dicho cuerpo, e interviniendo en teatro, cine, etc. Pero ya para 1942 estaba de regreso en Cuba, y con su orquesta, o como pianista acompañante actúa en diversos teatros, hasta que al parecer, se retira de la farándula, pues no se le vuelve a mencionar después de 1942. Su discografía continúa después del año 1925, como veremos. De esta etapa son los números que relacionamos. Hemos escuchado varios de ellos. "La huerta misteriosa" Ok 16080 (1923)(B-) es un danzón completo, de seis partes, con una orquesta típica que suena bastante bien, aunque sin la fluidez de una típica cubana. Parece que usan bombar dino en lugar de figle. Se hace difícil pensar que se trate de una orquesta formada para grabar en Nueva York en aquella época, con ese dominio de la técnica danzonera. La otra posibilidad es que fuesen grabados en México por una orquesta mexicana. Abona a esta posibilidad el que muchos de los números grabados son de autores danzoneros mexicanos, como el afamado Everardo Concha, y sobre todo, que varios de ellos son danzones cantados en su última parte, verdaderos antecedentes de los jingles comerciales, en que se anuncia un producto determinado de Yucatán: Así hemos escuchado "Brisas de Uxmal" Ok 16080 (1923)(B) anunciando un conocido jabón de tocador de aquella época: "su perfume aromatiza/y es producto nacional"; "Chicle Maya" Ok 16069 (1923)(B): "Es el mejor chicle maya/una industria y gloria yucateca" y "El jabón La espuma" Ok 16069 (1923)(B). Todos son danzones de 6 partes, con la última cantada lo que le da valor histórico además, como antecedente del jingle. Seguiremos con Bryon

PRIMERAS GRABACIONES HECHAS EN CUBA

Primeras grabaciones hechas en Cuba Esta nota previa la estamos agregando en 2006, porque habíamos estado hablando de grabaciones hechas en Cuba, y hechas fuera de Cuba por artistas cubanos, pero no de l posible primera grabación de música cubana hecha fuera de Cuba. Si nos atenemos al género músical, ese honor le correspondería posiblemente a la primera versión de la habanera La Paloma. Pero como sabemos su autor no era cubano. La reciente lectura del libro de Juan Pablo González y Claudio Roche, “Historia Social de la Música Popular en Chile Editorial Universidad Católica de Chile, 2005, pag. 179, nos ha dado otra posibilidad. En 1892, llega a Valparaíso, Chile, el Sr. David Kuntz, representante de la compañía United States Phonograph quien en gira por la América del Sur trajo el primer fonógrafo con auriculare s y entre los cilindros que se escuchaban en las audiciones que efectuó en esa ciudad y otras en Chile, estaba una zamacueca de la autoría de José White, o sea, un compositor cubano usando un género popular de Chile, y grabado seguramente en ese país. José White habia visitado Chile en 1878, componiendo dos zamacuecas que se hicieron muy populares. Antes de analizar cada clasificación en que hemos dividido esta primera etapa, vamos a considerar colectivamente algunas de las grabaciones que se estiman están entre las primeras que se hicieron de música cubana y de las cuales no hemos escuchado ninguna. Si se guimos las manifestaciones hechas por el Sr. Armando Romeu 15 , las primeras grabaciones de música cubana se hicieron en La Habana en 1904 con su hermano Antonio María Romeu y una pequeña orquesta de danzones de la que Armando era miembro. Armando llama "tubos" a lo que deben haber sido los primeros cilindros que, como hem os explicado antes, era necesario grabar uno a uno. Cuando hicimos este primer volumen, no teníamos información que nos llegó después gracias al Sr.Antonio Massisimo, de las grabaciones hechas por la firma Zon-O-Phono, más conocida como Zonofono o Zonophone, una firma europea que para el tiempo de estas grabaciones, ya había sido absorbida por la Victor, aunque conservaba su nombre. El catálogo que tenemos tiene fecha de 1906, pero aparentemente las grabaciones fueron hechas en 1904 ó 1905, antes de las grabaciones de la Victor en Cuba, que como veremos más adelante pueden ser de 1905 ó 1907. Basamos nuestra creencia en que, la Victor en ese primer viaje a Cuba no graba a la orquesta de Pablo Valenzuela, una de las más importantes ni la Banda Municipal. La razón puede haber sido que estas habían grabado con la Zonophone, y por tanto la Victor no las necesitaba, estaban indirectamente en su catálogo. Hemos preferido incluir todas las grabaciones aquí, en vez de hacer varias notas en los lugares respectivos. Es posible que algunos de los cantantes que aparecen, fueran españoles actuando en Cuba con alguna compañía de zarzuela, especialmente los que aparecen cantando selecciones de zarzuelas.

RADIO RUMBO

LOS INICIOS DEL “GIGANTE RUMBOS El primero de diciembre de 1949 tendría lugar la inauguración de los estudios de Radio Rumbos, en el cual estaría presentes, el Ministro de Comunicaciones, Oscar Mazzei Carta y el Director de Telecomunicaciones, Oscar Suárez Flamerich, así como el Director de la Radiodifusora Nacional y otros altos funcionarios de las Radiodifusoras comerciales de la localidad A las 6 de la tarde Monseñor María Pellin, director del diario la religión, bendice su sede y equipos y equipos y entre otras palabras dice: “Que estos micrófonos que sean jamás para propagandas de herejías y de errores de subversión del orden, ni siembra de odio… Que aquí siempre este la palabra orientadora y la palabra de alegría”… Entonces por primera vez se escucha su mensaje: “Desde Caracas, Venezuela, patria del Libertador Simon Bolívar transmite Radio Rumbos, una voz valiente en el Cielo de America”. Radio Rumbos inicia sus operaciones Desde sus inicios hasta el presente, Radio Rumbos ha sido inspiración y ejemplo para muchísimos radiodifusores que surgieron posteriormente con un capital “totalmente cubierto de 400.00 bolívares” emitiendo en frecuencia de 1280 kilociclos para onda larga, de 4970 para onda corta, con los indicativos del llamada YVLL y YVLK. Luis Raymondi B., es nombrado el Presidente; Aquilino José Mata, Secretario; y como vocales: Don Felipe Serrano M, Armando Egea López y Julio Zavace. Radio Rumbos, la Emisora de Venezuela, con 59 años entrando a sus hogares, compartiendo con sus millones de radioyente, sus inquietudes. Pero al mismo tiempo, llevándoles mucha alegría, entretenimientos y mensajes informativos y culturales.