SONORA CARACAS

La primera Sonora Caracas En septiembre de 1933, nuestra capital se sacude musicalmente con la visita del Trio Matamoros, famosas estrellas de cine y del disco, quienes en sus veinte días continuos en el prestigioso Teatro Ayacucho, alborotaron con su sones y boleros a una bucólica Caracas, que al momento de emprender viaje por el occidente de nuestro país1, dejaron sembradas las semillas de los primeros conjuntos de son en Venezuela. Quizá la Sonora Caracas fue la primera agrupación de sones que trascendió a través del tiempo en esta tierra de gracia, formada en plena dictadura de Juan Vicente Gómez (1908-1935)2, inicialmente bajo el formato de septeto y el liderazgo del guitarrista Alberto Machado, lo secundaban su hermano Guillermo en la marímbula, Jacobo Espinoza como cantante, Carlos García en los bongó y Johnny Pérez en la guitarra, ensayaban en las esquinas de Rosario a San Roque, cerca del Nuevo Circo en la casa de la paciente madre de los Machado. Pavoneándose con un tres y un bongó importados desde Cuba, comenzaron a frecuentar la famosa esquina de la Torre, epicentro de los “Pellejeros”, así llamaba el maestro Vicente Emilio Sojo a los músicos populares caraqueños, quienes desde allí salían a tocar en diversas fiestas caraqueñas del naciente siglo, dominada por la música puertorriqueña con sus bombas y plenas3, el merengue dominicano, los pasodobles, tangos argentinos, además de la CMQ que desde Cuba vencía el espectro radial de nuestras costas y mareaban a nuestros aparatos y escuchas con la música del Septeto Nacional, Gloria Matancera, Sonora Matancera y Cuarteto Machín. Sobre su fecha de fundación se han tejido diversas versiones, sin embargo se dice que estando Juan Vicente Gómez como presidente, ellos estaban tocando en algunos sitios de la capital. Y la primera referencia hemerográfica es un anuncio de prensa para los carnavales de 1938, fechada el 25 de febrero, anunciándose como “Sonora Caracas 1938” en “Le Canari” frente al Teatro Caracas, al lado de la orquesta Green Star, al año siguiente aparecen también en época de carnaval, en la guía radial de la emisora “La Voz de Philco” en una tarde de programas bailables, se anuncia a las 5:30 del 5 de febrero de 1939, al Conjunto Sonora Caracas y su cantante Alexis Sánchez. En la década de los 40, pasaron por la Sonora, grandes músicos que próximamente adquieren un nombre mayúsculo dentro del movimiento orquestal de Venezuela. En 1943 y con 16 velitas Jesús Sanoja, quien dos o tres años después forma su propia orquesta, la deslumbrante Orquesta de Chucho Sanoja, el jovencito Aldemaro Romero tuvo sus pasantía por la sonora de la mano de su padre, para luego dirigir la Rafa-Víctor en 1947, Leonardo Pedroza la dirigió comenzando la década del 40, para poco tiempo después fundar la Leonard Melody y que en la década de los sesenta se transforma en Los Caciques, Carlos Guerra estuvo con ellos a partir del 48, para transformarse posteriormente en uno de los personajes imprescindibles del sello DISCOMODA y director de varias agrupaciones, entre ellas la monumental orquesta Sonorámica, Jacobo Espinoza ya veíamos que fue uno de los primeros cantantes de la Caracas, luego estaría por varias orquestas y agrupaciones, hasta lograr el trabajo que lo catapultó, como director fundador de los Antaños del Stadium. Stelio Bosch Cabrujas, pianista de la Sonora luego director de los Melódicos y subdirector de Billos, Carlos Emilio Landaeta, figura con Billos, Luis Alfonzo Larrain, Pan con Queso y sus tambores y una de las figuras principales del Sonero Clásico del Caribe junto a otros ex de la sonora: Agustín Evaristo León “Pichín” y Johnny Pérez. Posiblemente a mediados de los años cuarenta deja de funcionar la Sonora Caracas por motivos que desconocemos, se maneja una versión que para los carnavales del 48, Carlos Landaeta “Pan con Queso” y Johnny Pérez le dan un “golpe de estado” a Jesús Ángel Molero con su Conjunto Siboney, y con la mayoría de los integrantes y la adición de Jesús Marcano conforman la “Sonora Caracas 1948”. Carlos Landaeta en sus memorias escribe: El conjunto Siboney encalló, reuní a la mayoría de los músicos y rescatamos el nombre de Sonora Caracas, esto ocurría en el año 1948. Junto a Johnny Pérez estuve siendo guía de ese tremendo grupo”... “En 1948 ya la Sonora Caracas es representada por mi, ese nombre no estaba en uso 4, Foto del Conjunto Siboney, circa 1947, antes de transformarse en Sonora Caracas El propio Johnny Pérez confirma que el Conjunto Siboney se transforma en Sonora Caracas en ese momento. Otro de los cantantes de ese período es el recientemente fallecido Jesús Marcano, quien comentó5: Ese conjunto se llamaba Siboney y al entrar yo le colocaron Sonora Caracas, Llego luego de haber hecho unos carnavales entre Club Vargas y Centro Libano-Sirio con la orquesta de Mañito, que llegó a ser director de los Melódicos, estando yo cobrando por mis carnavales con Mañito, me sale a buscar Pan con Queso y Johnny Pérez, le acababan de dar un golpe de estado a Jesús Ángel Molero que era el director del Conjunto Siboney, un grupo muy bueno... En esta nota de prensa en el diario LA ESFERA en marzo de 1950, observamos a un nuevo Conjunto Siboney dirigidos por Jesús Ángelo Molero, en donde sobresalen José Rosario Soto y Agustín Evaristo León "Pichín" Esta segunda agrupación (Sonora Caracas 1948) contaba con una estructura de tres trompetas: Carlos Guerra (1era); T. Landaez (2da) y Pedro Báez en la tercera trompeta, además de Alirio Ramos en el contrabajo, Elias Carmona como pianista, E. Tejera (guitarrista), Jesús Marcano (cantante melódico), Johnny Pérez (Guarachero) y Carlos Emilio Landaeta (Tumbador y representante). Se le consideraba como el decano de los conjuntos orquestales en Venezuela y bajo el nombre de “Sonora Caracas 1948”6 En octubre de 19487, se realiza la famosa visita de larga temporada a nuestra capital de unas voluptuosas bailarinas, tan sencillas que una de ellas rogaba a un periodista: “nómbrenme a mi, para que mi mamá me vea anunciada”, sin embargo la que se llevaba los titulares era una negrita un poco menos agraciada, y según las malas lenguas, no la dejaban salir al escenario, aunque tras el telón su voz se encargaba de llenar todos los espacios, la misma Celia Cruz que la noche de estreno en el Hotel Majestic era anunciada por Radio Cultura como toda una estrella a pesar que aún faltaban dos años para consagrarse con la Sonora Matancera. Se planificó una larga temporada en nuestro país. En los venideros días Celia tuvo varias presentaciones radiales, el día 22 de noviembre de 1948 se presenta en el programa de Víctor Saume “Bingo Alas” por Radio Caracas en donde Celia interpreta la famosa Mazucamba, Sahara, Rumba y Columbia, Goyito y Al compás del Tuñare. Una semana después el día 29 en el mismo programa interpreta Que Jelengue, Arara, Estoy aprendiendo inglés, Pa’ Gozá y Yemayá. Volvemos a saber de ella algunos meses después, en diciembre de 1949 cuando se anunciaba como “La Reina del Bolero” en algunas presentaciones en el Cine Anauco, en el marco de la película “El Valle de los Sueños”, Se han tejido varias conjeturas sobre su estadía en nuestro país, un verdadero misterio que la propia Celia se encargó de mantener en silencio toda su vida, lo importante es que dejó algunas grabaciones en una época que no era muy común hacerlo. Últimas Noticias 1 de diciembre de 1949. Anuncio Comercial LAS GRABACIONES DE CELIA CRUZ CON LA SONORA CARACAS. Otro acertijo, las posibles grabaciones de Celia Cruz con la Sonora Caracas, hay quienes dudan, por la ausencia física de alguna copia de estos discos, pero la propia Celia se refiere a este hecho en el tema La Dicha Mia8, El director de orquesta Carlos Torres en su libro “Anecdotas sostenidas y bemoladas” habla de estos trabajos e informa que fueron bajo la supervisión de Leonardo Pedroza, además la gran investigadora y periodista venezolana Lil Rodríguez ha señalado en algunos artículos sobre la grabación con nuestra agrupación de estudio de la famosa Mazucamba, sin embargo el articulista y director de orquesta Alberto Naranjo lo ha refutado, este tema es grabado con la Leonard Melody, quizá el motivo de la confusión fue la memoria del padrino de Lil, Johnny Pérez, quien aseguró durante años haber estado presente en la misma. Hace pocos meses, en casa de Johnny Pérez tuvimos la oportunidad de escuchar la grabación en presencia del antiguo cantante de la sonora, reconociendo que no es la Sonora Caracas, sin recordar si fue por confusión, o que dicho tema lo grabaron las dos agrupaciones. En realidad la grabación fue hecha con la Leonard Melody, en donde Celia en ese viaje de 1948, dejó las siguientes grabaciones bajo la dirección de Leonardo Pedroza: La Mazucamba, Quedate Negra, Mambé, El Cumbanchero. Con Luis Alfonso Larrain grabó: Morumba, Comparsa Barracón, Rareza del Siglo y Se acerca la Comparsa. Pero entonces queda la interrogante ¿Grabó Celia con la Sonora Caracas? A pesar que no han aparecido las grabaciones con la Sonora, hecho que si ha sucedido con las otras dos orquestas, el testimonio de varios de los testigos y músicos presentes en esas grabaciones permiten comprobar la existencia de la misma. Johnny Pérez nos comenta: Celia se presentaba en el Nuevo Circo. Y había un señor, este… Piñita, que tenía la agencia de música que quedaba al frente de Radio Caracas, la agencia de música. Por supuesto los músicos iban mucho ahí. Entonces, por medio de él fue que habló con Celia para que hiciera la grabación con nosotros. Jesús Marcano ha sido más específico y enumera los temas: bueno tuvimos el honor de grabar con Celia Cruz, grabamos en los altos del Teatro Nacional, los temas: Un poquito de tu amor, Quejelengue, Rumba y Columbia, y Pa’ Gozá. No había grabaciones de Celia, nosotros no la llamamos, fue un cubano que se llama Galán, Don Galán, un comerciante, tocaba saxofón gallego, en combinación con Piñita hacen el negocio y nos llaman a nosotros para grabar con Celia… Carlos Emilio Landaeta “Pan con Queso” se refiere a Celia en su inédita autobiografía, y nos confirma que las presentaciones de Celia en diciembre de 1949 en el Cine Anauco, es del período en que se quedó viviendo entre nosotros. Celia grabó con nosotros en la Sonora Caracas, pero un cubano se llevo las matrices, no se supo nunca más de el… ella terminó su contrato y regresó a Cuba en el año 50… Sin embargo este anuncio comercial que nos obsequió en vida Jesús Marcano, anuncia una serie de grabaciones de la Sonora Caracas, entre ellas aparecn algunas con Celia Cruz. La podemos comparar con estos discos que en el exterior han ido apareciendo, esto nos permite especular que esta "Sonora C" es la Sonora Caracas, tal como lo afirmaban desde hace algún tiempo el propio Carlos Landaeta "Pan con Queso", Enrique Bolívar Navas, y el Dr. Mario Baptista. (etiqueta cortesía de Jesús Pérez Lares) LA SONORA CARACAS EN LA DÈCADA DE LOS CINCUENTA La década de los cuarenta finaliza para la Sonora Caracas, con una serie de presentaciones en diversos cines con la vedette Amalia Aguilar en septiembre de 1949, quien protagonizara algunas películas en cartelera y otras por estrenar: “Ritmos del Caribe” , “Amor perdido”, y “Al Son del Mambo”. En los carnavales de 1951, alternan algunos bailes durante la primera visita de Dámaso Pérez Prado en el Hotel Ávila, durante esa época realizaron otras grabaciones con el Dúo Espín-Guanipa con el sello Seeco. febrero de 1951 A finales de 1953 Benny Moré realiza su primer viaje a Caracas, como aún no había formado su Banda Gigante, se respalda con la Sonora Caracas. Gracias a sus éxitos con la Sonora Matancera, entre ellos los grabados el año anterior: Tu Precio y Soñando Contigo, el cantante de 39 años Bienvenido Granda se presenta en agosto de 1954 en el programa de TV “Fiesta de Billos” y en el Coney Island durante dos semanas, se quejaba pues siempre era acompañado en nuestra ciudad por conjuntos (¿Sonora Caracas?) no por orquestas9, creemos que las grabaciones que publica la Sonora Caracas con Bienvenido en 1956, se realizaron durante este viaje, ya que no conocemos otra visita a nuestra ciudad del “Bigote que Canta” hasta 1959. Para el momento de la visita referida (1954) el formato de grabación era los discos de 78 rpm, el formato de 45 rpm se comenzó a imprimir en Venezuela a partir del año siguiente10. Posiblemente esa serie de grabaciones para 1956 y publicada en 45 rpm, se grabó en 1954 en el formato antiguo de 78 rpm. En 1955 y con la escandalosa cifra de 2.000 dólares diarios, sin contabilizar, pasaje, hotel y comida, nos visita la Sonora Matancera con Celia Cruz, Celio González y Carlos Argentino, presentándose en el Club Las Fuentes, Coney Island y la Sonora Caracas le sirve de anfitrión con sus cantantes Jesús Marcano y Johnny Pérez en el Teatro Libertador de Maiquetía el 20 y 21 de febrero de 1955. Junio de 1955, mientras Billos retoma algunos éxitos del siglo pasado, tales como La Pelota de Carey y Volvió el Charlestone, una negrita de 16 años llamada Rogelia, participa en un programa radial para aficionados, no amilándose de una primera derrota y una gran rechifla, en la cual resultó ganador Luisín Landéz, a la siguiente semana y gracias a los muchachos de la Sonora Caracas, Canelita Medina salió airosa y comienza exitosamente a formar parte de la Sonora hasta 1964, complementando el trabajo de Jesús Marcano y Johnny Pérez. Al siguiente carnaval, en la prensa se anunciaba un famoso mano a mano entre Sonora Caracas y la Sonora Matancera, nuevamente en el Teatro Libertador de Maiquetía, para el día 16 de febrero de 1956. Se presenta una famosa anécdota entre Celia y Canelita. Jesús Marcano lo describe de esta manera: Nos tocaba alternar en el Teatro Libertador en Maiquetía, con la Sonora Matancera y Celia Cruz, entonces la promoción que hace Alejandro Gonzáles el empresario, “Acontecimiento en el litoral, Sonora Matancera vs. Sonora Caracas, Canelita Medina Vs. Celia Cruz” íbamos en el carro y al llegar a Maiquetía, Canelita me dice nerviosa y preocupada: Mira Jesús esa propaganda, yo no puedo competir con esa señora”, entonces le digo: Que pasa chica, esto es un negocio, una empresa, aquí no es que nos vamos a caer a tiros ni mucho menos, estábamos entrando al Cine Libertador, no había llegado el público aún, cuando entramos, Canelita seguía con los nervios por la propaganda, a ella no le faltaba razón, desde un tiempo había conversado algunos miembros que a Canelita había que hacerle un repertorio propio, cuando entramos en la tarima a quien encontramos fue a la señora Celia Cruz, ella no venía contratada con la Sonora Matancera, sino que era exclusivo su contrato, ... y entonces cuando entramos me dice “Marcano”, mira esta es la cantante nuestra, ella no conocía a Celia, ah mucho gusto hermana, mira Celia aquí hay un problema, ¿cual es el problema? Mira esta muchacha lo que canta es el repertorio tuyo, bueno y cual es el problema dice ella, bueno que ella está nerviosa por eso, no vale, ¿que es lo que puede pasar? Si vas a cantar Burundanga me avisas y yo no lo canto, me dices los temas y yo no los canto. A Canelita le preguntamos por esta anécdota y nos dijo: (...) es verdad, yo estaba muy nerviosa por el hecho de interpretar el repertorio de esa señora, y cuando la vi entrar me quedé petrificada de su personalidad, lo que si nunca fue cierto es el caso del repertorio, nunca me lo cumplió (Risas)... Sin embargo Canelita, no se sentía del todo cómoda con la Sonora Caracas, estaba limitada a interpretar exclusivamente el repertorio de Celia Cruz, de hecho en la prensa de junio de 1956, se reflejaban algunas críticas, no solo hacia ella, sino en contra de la Sonora Caracas. “Yo no entiendo porque la Sonora Caracas se da a la torpe manía de querer emular a la Sonora Matancera. Hasta en los “decires” de los cubanitos, nuestros muchachos quieren imitar. Gran error, lo original pega más, y pronto, y es de casa. Eso de “Ta’ bueno viejo” al final del tema La Bruja es una ridiculez de marca mayor”11. Para esos días vemos algunas referencias a Canelita Medina, en la grabación que para ese momento realiza con la Sonora Caracas (el tema Canelita). Canelita está realmente notable en las últimas grabaciones que le he oído, sorprende la facilidad que tiene para imitar a Celia Cruz, aunque no por eso debe hacerlo12. Canelita, aún no era muy popular, por lo cual en esta nota la confunde el impresor con la cancionero cubana Canelina, de amplia popularidad en Caracas hasta 1959 aproximadamente. “La Sonora Caracas merece todos los elogios por su perseverancia y la indiscutible calidad que regalan en cada una de sus actuaciones. Tienen en Canelina (Sic) una verdadera estrella. Perdería una de sus grandes atracciones Radio Continente al desprenderse de ellos”13 Un mes después, observamos otra nota sobre la Sonora, en donde enmiendan la confusión entra ambas personajes: “Esta Sonora Caracas bien podría llenar un sitio en telecuatro. Su cantante Canelita (ojo linotipista, Canelina es la cubana, que vino por un mes y lleva dos años de exilio aquí) resulta la más brillante promesa en ese género actualmente”14 Tuvo mucha razón Raúl Hernández, recientemente fallecido en Caracas en octubre de 2008, Canelita a través del tiempo alcanzó por brillo propio una radiante carrera como cantante con Federico y su Combo Latino, 20 años después para aterrizar exitosamente con el Sonero Clásico y su propia agrupación. En el año 1957, La Sonora Caracas realiza unas 36 grabaciones con el sello DISCOMODA, con el complemento de los registros de Bienvenido Granda, otras con Rubén Osuna, Juan Polanco, Víctor Piñero, Pablo de Lara, Alberto Beltrán, Carlos Torres, Rodrigo Soto y de un personaje de primera línea, quien se encontraba viviendo entre nosotros por un año aproximadamente, Daniel Santos15. Ya para octubre de 1956, se comentaba que Daniel Santos “que ha perdido la inquietud y la voz también” estaba siendo solicitado por una televisora local venezolana16, en los carnavales de 1957 se presenta en el Cimarrón junto a Panchito Rizet. En el mes de julio observamos un anuncio en el Coney Island cuando se presenta con el siguiente cartel: Abelardo Llombart, Paula Bellini, Las Alondras, Alfredo Sadel y Daniel Santos por supuesto17. Unos días antes lo había hecho junto a: Olga Teresa Machado, Alfredo Sadel, Magdalena Sánchez, Mario Suárez, Yolanda Granados, Lorenzo Herrera y Canelina18. En el mes de octubre se lee textualmente en la prensa: Daniel Santos ha lucido una barbaridad en Telecuatro. “Se la comió el inquieto anacobero. Esas viejas creaciones suyas le han proporcionado una casi total recuperación de los puntos perdidos aquí” Para el mes de diciembre de ese año 57, se anuncia en el espacio de televisión “Su Revista Musical” un programa especial de Navidad, con los siguientes artistas: Programa especial de Navidad en “Su Revista Musical” con Daniel Santos, Alfredo Sadel, Carmen Navarro, Héctor Murga; Ella, la Inolvidable, Hermanas Cardenas, Pipo Rivas; Billos Caracas Boys. Hoy sábado 21 a la 1:30 por Radio Caracas Televisión En ese año que Daniel Santos estuvo entre nosotros grabó para DISCOMODA y acompañado de la Sonora Caracas un LP y 14 discos de 45 rpm, la única referencia a estas grabaciones la obtenemos en el diario Últimas Noticias el día 10 de junio de 1957: “Santo José Gregorio” creación de Daniel Santos, homenaje a nuestro ilustre doctor “protector de los pobres y salvador de los enfermos” y acompañamiento musical de la Sonora Caracas solicita esta sensacional grabación Discomoda en todas las agencias de discos. Otros éxitos del inquieto Anacobero: Alma Blanca, Amor en el campo, Dale la lechita al niño. En una entrevista que realizamos junto a Alejandro Calzadilla19, Johnny Pérez nos comentó de la grabación dedicada a José Gregorio Hernández, en donde se destaca la ejecución al órgano de Rafael Muñoz y que prohibió en ese momento, la todopoderosa iglesia Católica. Daniel Santos grabó con nosotros muchos números, pero tuvo un número que se llamaba José Gregorio Hernández que lo grabamos pero los curas no permitieron que saliera. Le dijeron a Disco Moda que… es decir, lo sacaron de circulación por mediación de la iglesia. Fue la iglesia la que dijo que ese número no iba y lo sacaron. Jesús Marcano recuerda las grabaciones y algunas presentaciones de Daniel Santos con la Sonora Caracas de la siguiente manera: Grabamos con Daniel Santos en Radio Continente: Comimos Gato, Puerto la cruz, entre otras, también hicimos carnavales, tuvimos un alterne con Panchito Rizet y la Matancera, en el Libertador, con nosotros cantaba Daniel Santos y Alberto Beltrán, ese día, Daniel cantaba un tema que se llamaba De corazón, y sabes que Alberto Beltrán tenía “una campana de voz”, estábamos en ese baile con César Roldán, Daniel Santos y yo, en un descanso. Viene Beltrán ya habiendo cantado ese tema, le había subido un tono y medio de lo que cantaba Daniel Santos, para lucirse, yo noté, estábamos alternando con la Matancera, echa candela que ahí viene la Matancera, que armas vamos a usar, no nos vamos a caer a tiros, el hecho es que Alberto Beltrán comienza a fanfarronear yo le subí al tema, -sabes que Daniel Santos era malcriado, antipático-, no viste donde la puse, entonces le contesta molesto, si... si... negro, vamos a tomarnos un trago, tu lo cantas más alto que yo (Risas)20 Muy detalladamente Daniel cuenta en el libro “Confesiones de Daniel Santos a Héctor Mújica”, que en enero de 1958, unos días antes del derrocamiento de Pérez Jiménez se va de Venezuela, luego de vivir un año entre nosotros. En fin se va “El Inquieto Anacobero” con 24 grabaciones bajo el sello DISCOMODA, dos con la Sonora Venezuela21, también un par con Pedro J. Belisario22, ocho como Daniel Santos con su Conjunto23 y una docena con la Sonora Caracas. Siguen los bailes y las presentaciones de la Sonora Caracas durante 1957, se forma la fiebre por el tema: Ay Cosita linda, grabado por Víctor Piñero, que lleva al periodista Juan Vené a escribir: Me tienen hasta más arriba con “Ay cosita linda” es la pieza de moda en México. Los discos que más se escuchan son de los Hermanos Reyes, Ramón Márquez, Memo Salamanca, Sonora Matancera y Sonora Caracas. Pero hay grabaciones del mismo número por unas doce orquestas más, por cierto que me sorprende oir el disco de la Sonora Caracas por estos lados. Es una producción de la “Peerles” y está bastante bien... después del merengue de Pacho Galán, las más solicitadas son: te me olvidas, Marcelino Pan y Vino, Tu condena, Le falta un clavo a mi cruz, tu me acostumbraste, La Pastora, Está sellado y esperame en el cielo. Siempre en ese orden. De todas maneras le llevo un disco a renny ottolina para su show musical del tema que más me gusta es Yerbero Moderno24. Cerrando el año y con la celebración del “Día del Músico”25 nos permite calibrar las orquestas nacionales, que estaban al tapete para ese momento: Sonora Caracas, Anguera y sus Muchachos, Jesús Chucho Sanoja, Pablo Armitano, Carlos Torres, Aldemaro Romero, Luis Alfonzo Larrain y los Peniques. El año 1958, de grandes cambios políticos en Venezuela, terminó afectando a los venideros carnavales en puerta, sin embargo no impidió algunas grabaciones de la Caracas que alcanzó 16 registros con cantantes invitados especialmente venezolanos, siguiendo un poco la tendencia de la Matancera de apoyarse en las voces de artistas invitados, muchos de ellos del propio sello disquero y que pertenecían o estaban próximos a ingresar a algunas de las orquestas de mayor importancia del sello DISCOMODA. El año comienza con dos discos de 45 en la voz de Juan Polanco, como complemento a las seis grabaciones anteriores, Polanco había grabado el año anterior con Pedro J. Belisario cuatro temas26 y estaba arrancando con su propio conjunto, graba con Carlos Guerra y posteriormente se publica su primer larga duración como líder27. En seguida graba Pipo Rivas, quien venía con el aval de haber cantado con la orquesta Belisario en el 53, y los siguientes años con Pedro Luis Aponte y Pablo Armitano, en el 56 había compartido la delantera en el plantel de cantantes de Luis Alfonzo Larrain junto a Tony Camargo, ese inmortal cantante de cada fin de año con su tema “El Año Viejo”, hace unos trabajos para Arnoldo Nali y graba un disco con su orquesta para 1959. Continúan las grabaciones de ese año 1958, con un cantante dominicano de 34 años de edad, Alberto Beltrán quien traía en su hoja de vida, entre otros trabajos lo registrado con la Sonora Matancera, temas como Ignoro tu Existencia, y El 19, grabado un mes antes de venir a Caracas y matar unos tigres en los carnavales, con la Caracas graba un total de cuatro temas en ese período, por esos días también lo hizo Víctor Piñero, quien venía de trabajar durante varios años con Pedro J. Belisario y estaba en los planes de los nuevos vocalistas de la orquesta por salir a la luz y para muchos años Los Melódicos. A Canelita Medina se le presenta la segunda oportunidad de grabar, con el tema Hechicera y antes de finalizar el año con Manolo Mercerón, próximo a ingresar a los Peniques. Como dijimos anteriormente muchas de estas grabaciones se hicieron para promocionar a estos cantantes, ya que tanto los Melódicos, Los Peniques y por supuesto la Sonora Caracas pertenecía al mismo sello disquero. La agrupación continúo sus presentaciones en bailes de distintos sitios de la ciudad, además de diversas giras al exterior, especialmente a Curacao, en donde viajaron una serie de veces. Sin embargo en un análisis de las diversas agrupaciones de bailes existentes en la ciudad, publicado en el diario El Mundo en marzo de 1961, se referían a ella “como una agrupación que ya no tenía actualidad musical”, ya venía en decadencia esta agrupación, pionera de los grupos de son en nuestro país, escuela para una serie de músicos y que sirvió para acompañar a grandes luminarias del exterior cuando nos visitaban. Cumplieron toda una época dorada en la música popular, durante toda esa extensa trayectoria que se mantuvo hasta los carnavales de 1964, cuando acompañaron a Fajardo y sus Estrellas y se presentaron en el Valentín Club, en donde hacia sus primeros pasos un pianista muy joven y flaquito, que llevó a Johnny Pérez al verlo tocar con la sonora, “Mira vale parece una culebrita”, es el mismo pianista que mantendría esa calidad y el sobrenombre al convertirse algunos años después en el famoso Enrique “Culebra” Iriarte. Sonora Caracas con Kiko Mendive (1948) DISCOGRAFÍA (grabaciones 78 rpm, 45 rpm y LP) No. Producción Año Sello Número Nota 1 Rumba y Columbia 1948 Con Celia Cruz 2 Que Jelengue 1948 Con Celia Cruz 3 Un poquito de tu amor 1948 Con Celia Cruz 4 Pa' Gozá 1948 Con Celia Cruz 5 Linda Tete 1950 Discomoda Con Espín y Guanipa, comienzos de los 50 6 No te des tanta importancia 1950 Discomoda Con Espín y Guanipa, comienzos de los 50 7 Hortensia 1950 Discomoda Con Espín y Guanipa, comienzos de los 50 8 Carmen 1950 Discomoda Con Espín y Guanipa, comienzos de los 50 9 Rumba en el patio 195? Discomoda Con Pepe Acosta 10 No hay na' 195? Discomoda Con Johnny Pérez 11 Cruel Recuerdo 195? Discomoda Con Jesús Marcano 12 Presentimiento 195? Con Gil Ramírez 13 No me explico 195? Con Joseito Mateo 14 No quiero nada con su mujer 195? Con Joseito Mateo 15 Canelita 1956 Discomoda 161 45 grabado en el primer semestre de 1956 16 Bombón de Elena 1956 Discomoda 161 45 grabado en el primer semestre de 1956 17 Solo en la noche 1956 Discomoda 162 Jesús Marcano 18 La Bruja 1956 Discomoda 162 Johnny Pérez 19 Se perder 1956 Discomoda 165 45 grabado por Bienvenido Granda 20 La semana 1956 Discomoda 165 45 grabado por Bienvenido Granda 21 La Rumba pa' aquí 1956 Discomoda 166 45 grabado por Bienvenido Granda 22 Corazón Borracho 1956 Discomoda 166 45 grabado por Bienvenido Granda 23 Como Bailan 1956 Discomoda 181 24 La Primera 1956 Discomoda 181 45 grabado por Bienvenido Granda 25 Pobre José 1956 Discomoda 182 45 grabado por Bienvenido Granda 26 Te miro en la copa 1956 Discomoda 182 45 grabado por Bienvenido Granda 27 Vente mi negra 1957 Discomoda 200 Semestre I con Bienvenido Granda 28 La Bambaita 1957 Discomoda 200 Semestre I con Bienvenido Granda 29 Es al amanecer 1957 Discomoda 201 Semestre I con Bienvenido Granda 30 Ya el negro no puede 1957 Discomoda 201 Semestre I con Bienvenido Granda 31 Ritmo de Salve 1957 Discomoda 208 Víctor Piñero con la Sonora Caracas 32 Cosita Linda 1957 Discomoda 208 Víctor Piñero con la Sonora Caracas 33 Rita María 1957 Discomoda 217 Rubén Osuna con la Sonora Caracas 34 Camino Verde 1957 Discomoda 217 Rubén Osuna con la Sonora Caracas 35 Alma Blanca 1957 Discomoda 231 Daniel Santos con la Sonora Caracas 36 Santo José Gregorio 1957 Discomoda 231 Daniel Santos con la Sonora Caracas 37 Ritmo 1957 Discomoda 232 Daniel Santos con la Sonora Caracas 38 Experiencias 1957 Discomoda 232 Daniel Santos con la Sonora Caracas 39 Comimos Gato 1957 Discomoda 233 Daniel Santos con la Sonora Caracas 40 Puerto La Cruz 1957 Discomoda 233 Daniel Santos con la Sonora Caracas 41 Amor en el campo 1957 Discomoda 234 Daniel Santos con la Sonora Caracas 42 Dale la lechita al niño 1957 Discomoda 234 Daniel Santos con la Sonora Caracas 43 Lección de niño 1957 Discomoda 251 Juan Polanco con la Sonora Caracas 44 Muchacha de Quince Años 1957 Discomoda 251 Juan Polanco con la Sonora Caracas 45 Porque te empeñas 1957 Discomoda 252 Juan Polanco con la Sonora Caracas 46 Cualquiera va 1957 Discomoda 252 Juan Polanco con la Sonora Caracas 47 Rico Rico 1957 Discomoda 255 Alberto Beltrán con la Sonora Caracas 48 Su Verdad 1957 Discomoda 255 Alberto Beltrán con la Sonora Caracas 49 Muñequita 1957 Discomoda 256 Alberto Beltrán con la Sonora Caracas 50 Tu Regreso 1957 Discomoda 256 Alberto Beltrán con la Sonora Caracas 51 El Abejón 1957 Discomoda 282 Rubén Osuna, Johnny Pérez y Sonora Caracas 52 Aunque te cases de blanco 1957 Discomoda 282 Johnny Pérez y Sonora Caracas 53 Tierra Colorá 1957 Discomoda 283 Juan Polanco, Pablo de Lara y Sonora Caracas 54 Te felicito 1957 Discomoda 283 Juan Polanco, Pablo de Lara y Sonora Caracas 55 MI tinajita 1957 Discomoda 284 Rodrigo Soto y la Sonora Caracas 56 Mañanita 1957 Discomoda 284 Rodrigo Soto y la Sonora Caracas 57 Desde el Satélite 1957 Discomoda 307 Daniel Santos con la Sonora Caracas 58 No me quites tu querer 1957 Discomoda 307 Daniel Santos con la Sonora Caracas 59 Va a llover 1957 Discomoda 314 Carlos Torres con la Sonora Caracas 60 Ay que dolor 1957 Discomoda 314 Carlos Torres con la Sonora Caracas 61 Ramoncito Campeón 1957 Discomoda 316 Daniel Santos con la Sonora Caracas 62 Ciriaco el Sabroso 1957 Discomoda 316 Daniel Santos con la Sonora Caracas 63 La Pela de Juana 1958 Discomoda 333 Juan Polanco con la Sonora Caracas 64 Mi último anhelo 1958 Discomoda 334 Juan Polanco con la Sonora Caracas 65 Salve de las auroras 1958 Discomoda 337 Pipo Rivas con la Sonora Caracas 66 No me busques más 1958 Discomoda 337 Pipo Rivas con la Sonora Caracas 67 El hombre es como el auto 1958 Discomoda 338 Pipo Rivas con la Sonora Caracas 68 Si tu pudieras 1958 Discomoda 338 Pipo Rivas con la Sonora Caracas 69 Bendita Luna 1958 Discomoda 339 Alberto Beltrán con la Sonora Caracas 70 No me quieres ya 1958 Discomoda 339 Alberto Beltrán con la Sonora Caracas 71 El disco de moda 1958 Discomoda 340 Alberto Beltrán con la Sonora Caracas 72 Tu eres ajena 1958 Discomoda 340 Alberto Beltrán con la Sonora Caracas 73 Conformidad 1958 Discomoda 353 Víctor Piñero con la Sonora Caracas 74 Mujer traicionera 1958 Discomoda 353 Víctor Piñero con la Sonora Caracas 75 Hechicera 1958 Discomoda 376 Canelita Medina (segundo semestre) 76 Como es el golpe 1958 Discomoda 376 Niro Keller (segundo semestre) 77 La Salve Nueva 1958 Discomoda 388 Manolo Mercerón (cerca de diciembre) 78 La Cañada 1958 Discomoda 388 Manolo Mercerón (cerca de diciembre) 79 El Chipichipi 1959 Discomoda 410 Con Nelson Pinedo 80 Casi caminando 1959 Discomoda 410 Con Nelson Pinedo 81 Cuantas veces 1959 Discomoda 411 Con Nelson Pinedo 82 Ole le le 1959 Discomoda 411 Con Nelson Pinedo 83 Melodías de amor 1959 Discomoda 413 Con Nelson Pinedo 84 Me hace daño esta canción 1959 Discomoda 413 Con Nelson Pinedo 85 Cariño Santo 1959 Discomoda 416 Con Rodrigo Soto 86 Recuerda Bien 1959 Discomoda 416 Con Rodrigo Soto 87 El bastón de Don Manuel 1959 Discomoda 438 Con Nelson Navarro 88 Ansiedad 1959 Discomoda 438 Con Nelson Navarro 89 Nuestro Juramento 1959 Discomoda 439 Con Nelson Navarro 90 Ritmo Tropical 1959 Discomoda 439 Con Nelson Navarro 91 No desangres mi herida 1959 Discomoda 452 Gil Ramírez con la Sonora Caracas 92 Mi Morena 1959 Discomoda 452 Gil Ramírez con la Sonora Caracas 93 Pepito 1959 Discomoda 567 Nila Valdés con la Sonora Caracas 94 La luna y las estrellas 1959 Discomoda 568 Nila Valdés con la Sonora Caracas 95 Caramelito 1959 Discomoda 571 Nelson Navarro con la Sonora Caracas 96 Yo soy aquel 1959 Discomoda 571 Nelson Navarro con la Sonora Caracas 97 Merengue 1959 Discomoda 572 Nelson Navarro con la Sonora Caracas 98 Chinita 1959 Discomoda 572 Nelson Navarro con la Sonora Caracas 99 Merengue y más merengue 1959 Discomoda 573 Nelson Navarro con la Sonora Caracas 100 Te amo y nada más 1959 Discomoda 573 Nelson Navarro con la Sonora Caracas 101 Ya nada me resulta 1959 Discomoda 669 Arturo del Real con la Sonora Caracas 102 Te vieron con el 1959 Discomoda 669 Arturo del Real con la Sonora Caracas 103 Gracias 1959 Discomoda 670 Nelson Navarro con la Sonora Caracas 104 Rabia en el alma 1959 Discomoda 670 Nelson Navarro con la Sonora Caracas 105 Regresa la Sonora Caracas ... 1982 1982 Sonero

FILO RODRIGUEZ

LA ORQUESTA DE FILO RODRIGUEZ ORQUESTA PREDOMINANTE DEL FOLCLORE DE VENEZUELA TUBO UN PLANTEL DE INTEGRANTES DE CIERRTO RENOMBRE COMO ENRIQUE QUIJANO,EL EXELENTE BARITONO VENEZOELANO MARCO TULIO MARISTANY,LA VEDETTE VENEZOLANA CARMEN DE RODRIGO,Y LOS CANTANTE VICTOR PERES UNOS DE LOS MAYORES EXPONENTES DE LA GUARACHA EN VENEZUELA Y EL DUETO SANCHEZ POLANCO DE POCA FRECUENCIA RADIAL DE VENEZUELA.ENTRE SUS EXITOS ESTAN BRUJERIA DE NAPOLEON BARTONADO ESCRITOR DE NICARAGUA Y LOS HIJOS DE LA NOCHE (MERENGUE VENEZOLANO).

PILAR ARCOS

BIOGRAFIA DE PILAR ARCOS NACIMIENTO:06 DE JULIO DE 1893,CUBA,LA HABANA MUERTE:10 DE ENERO DE 1989. SUS INICIOS:ERA PRVENIENTE DE UNA FAMILIA PROVENIENTE DEL MUNDO ARTISTICO PILAR TUBO UNA BUENA FORMACION MUSICAL EN ESTUDIO MUSICA EN EL CONSERVATORIO DE MADRID GRADUANDOSE DE SOLFEO A LOS 15 AÑOS DE EDAD EN 1917 CONTRAJO MATRIMONIO CON GUILLERMO ARCOS QUE CON ESE APELLIDO CONTRAJO SU NOMBRE ARTISTICO SU ESPOSO ERA PROFESOR DE GUITARRA Y ACTOR ESTUBE DE INVITADO EN LA PELICULA CUESTA ABAJO DE CARLOS GARDEL. EN 1919 DEBUTO COMO CANTANTE DEL GENERO ESPAÑOL INICIO UNA GRAN CARRERA MUSICAL EXITOSA DEJANDO GRABACIONES PARA EL SELLO RCA Y COLUMBIA,Y REALIZA GIRAS POR CUBA,PUERTO RICO,VENEZUELA,ENTRE OTROS PAISES MAS CANTA A DUO CON RODOLFO HOYOS,JOSE MORICHE,ARTURO PATIÑO AFORTUNADA ESTA INTERPRETE DEJO UNA INTERESANTE CANTIDAD DE GRABACIONES DEJO UNA GRAN CANTIDAD ZARZUELAS,VALSES Y TANGOS PODEMOS MENCIONAR LA CANCION LA COCAINA DE 1927,MAMA YO QUIERO UN NOVIO QUE GRABO EN LOS ESTADOS UNIDO CON LA ORQUESTA DE OSVALDO FRESEDO,CON LOS TEMAS SENDERO DE AMOR,CANCION DE LOS ESPINOS DE LOS MONTEROS . EN 1935 PILAR VISITA ESPAÑA CON ANIMOS DE DESARROLLAR MAS SU CARRERA ARTISTICA PERO AL INICIARSE LA GUERRA CIVIL REGRESO A LOS ESTADOS UNIDOS DONDE INCURCIONO EN EL MUNDO DEL CINE SIN GRANDES RESULTADOS PILAR FALLECE EL 10 DE ENERO DE 1989.EN LA CUIDAD DE LOS ANGELES.

RAFAEL CAMPOS MIRANDA

biografia de rafael campos miranda nacimiento:1918,colombia, sus inicios:hacia la fecha de 1926 en colombia,rafael y su familia se desplazan a la capital del departamento del atlantico de barranquilla donde realizo estudios primario y secundario en el colegio de barranquilla. Paralelamente a estos estudios, Campo Miranda realiza esatudios musicales teniendo entre sus profesores a Pedro Biava, el guitarrista cartagenero Calixto Gonzales, al violonchelista y trombonista Guido Perla y al compositor cartagenero Adolfo Mejía. Con ellos realiza estudios en solfeo, teoría de la música, guitarra clásica, armonía historia del arte y de la música. Toda la atmósfera musical que se vivía en Barranquilla hacia los años treinta sumado al entorno familiar, van sirviendo como telón de fondo para ir creando una semilla de músico natural -su primera escritura fue a los 18 años el porro pasion tropical a partir de ese momento su padre juan campos serrano y su madre se dan cuenta que a pesar que un familiar les había advertido que su hijo iba a ser un héroe militar por haber nacido el 7 de agosto dia de la independecia de colombia al llegar la decada de los 40 en la cual el porro y la musica costeña adquieren gran audencia y audifusion debido a la radio y la industria del disco se destapa en definitiva la vena compositora de Campo Miranda. Le da a Pacho Galán algunas de sus composiciones como "Playa" Cuando Nelson Pinedo decide radicarse en la Habana, Cuba, y es invitada por la Sonora Matancera para que reemplaze a Daniel Santos, hace su debut en la Radio Progreso, en un programa patrocinado por Iron Beer, cantando una cuña con la letra de "Playa": anteriormente hacia 1951 nelson pinedo habia hecho grabaciones para el sello panart con la compañia de la orquesta de luis santi entre palmeras para la fecha de 1952 el virtuoso cantante luis carlos meyer la canta en mexico con mucho exito. Una vez adquiere prestigio como compositro se inicia un período en el cuál sus composiciones son muy solicitadas. Aparecen temas como "Viento Verde", "Lamento Naufrago", "Suspiro Sabanero", "Sol de Valle", "Noche de Cumbia", "Aprieta tu pareja", entre otros. "Amor Naufrago" es grabado inicialmente en Barranquilla con los arreglos de Juancho Esquivel sin contar con mucha difusión y respaldo. Sin embargo, dos años más tarde, aparece una grabación del venezolano Chucho Sanoja con la voz de Chico Salas, cambiándole el título por "Lamento Naufrago. campos miranda sigue escribiendo temas como tales brisas del valle,pajaro amarillo,miramar,.. el pajaro amarillo fue escogido como piesa musical de dos peliculas como tales agente 00-sexy,y mundo de los aventureros Posteriormente, Rafael Campor Miranda recibió invitación de discos Tropical para grabar una producción denominada "Una Guitarra en la Noche". Entre los intérpretes que han cantado su obra se encuentran: Eduardo Armani, Rafael de Paz, Nelson Pinedo, Pastor López, Carlos Argentino, Pio Leiva con la Billo´s Caracas Boys, Alejo Durán, Bovea y sus Vallenatos, Lucho Bermúdez, Pacho Galán, la Billo´s Caracas Boys, Los Melódicos, La Sonora Matancera, entre otros. Tiene tres hijos con María del Socorro Vives: Rafael, Miranda y Martha, convertidos en músicos y pedagogos musicales.

biografia de fernando collazo

Nace en San Antonio de los Baños, La Habana Cuba, 21 de agosto de 1902 y fallece en La Habana, el 16 de octubre de 1939. Se inició en la vida artística en un dúo que integró con Enrique García. Más adelante trabajó con el sexteto Lira de Redención, dirigido por Antonio Montalvo, poco después esta agrupación se desintegró y Collazo fundó el Septeto Cuba, que fue la segunda agrupación de este tipo que incorporaba el piano (la primera había sido el septeto Gloria de Cuba, dirigido por Feliciano García y cuya pianista fue Teresa Ovando. Trayectoria artística Con su grupo, Fernando Collazo alternaba con los sextetos Habanero y Nacional, de Ignacio Piñeiro, en teatros, circos y bailes, tanto en la capital como en otras ciudades del país. Fernando Collazo actuó con el Septeto y la actriz Yolanda González en el primer corto musical del cine sonoro en Cuba: Maracas y bongó, con dirección de Max Tosquella; en este filme, entre otras obras, Collazo interpretó Vanidad, criolla de Armando Valdés Torres. En 1929 se estrenó en Matanzas el primer danzonete: Rompiendo la rutina, de Aniceto Díaz, y Fernando Collazo fue el primero en cantarlo en La Habana con la orquesta Gris, bajo la dirección de Valdés Torres. Con este nuevo ritmo, Collazo logró su consagración definitiva como cantante, y por su ya reconocida calidad artística, fue llamado a trabajar con las orquestas de Antonio María Romeu, Belisario López, Armando Valdespí y Habana, de Estanislao Serviat. Fundó y dirigió la orquesta Maravilla del Siglo. Giras realizadas España Francia México Estados Unidos A España viajó en compañía del pianista Armado Valdés Torres, y en París conoció al también pianista cubano René Izquierdo, con quien hizo varias presentaciones en esa ciudad. De su estancia en París dijo Alejo Carpentier: «Para mí, Fernando Collazo ha constituido una verdadera revelación. Hacía tiempo que yo lamentaba la ausencia de un intérprete inteligente de nuestros últimos cantos y sones. Particularmente de aquellos compuestos sobre poemas de Nicolás Guillén. Y una noche, en La cabaña cubana, me encontré de repente ante un mozo inteligente y bien plantando, que interpretaba esa música como debe interpretarse. Su voz potente y bien timbrada no se perdía en alardes de virtuosismo estéril. Sabía ponerse al servicio de la más auténtica tradición criolla. Conocía todos sus secretos rítmicos, sus inflexiones, sus libertades. Con ella, las menores intenciones del texto cobraban extraordinario relieve. Cuando decía: ¿Por qué te pone tan bravo cuando te disen negro bembón, si tiene la boca santa, negro bembón?, volvía a crear el poema, comunicándole una vitalidad increíble... Para dar una idea del poder comunicativo de sus interpretaciones, os diré que, cierta noche, vi a Fernando Collazo arrancando aclamaciones de entusiasmo a un público francés contándole cierta historia de majá enroscao, de la que nada podía entender quien no fuera cubano. Pero era tal la expresión que el cantante sabía poner en su relato, que se hacía innecesario comprender el sentido de las palabras. Fernando Collazo es un verdadero artista. Y no dudo que su triunfo en París sea ya, desde ahora, un hecho seguro.» Obras Bolero Cubana El beso diabólico Margarita Danzonete Graciela Igual que yo Levántate, mujer Mi corazón en tus pupilas Mi último canto Son La campana El príncipe marino

BIOGRAFIA DE LUIS ALFONZO LARRAIN.

biografia de luis alfonzo larrain Hijo de Alejandro Alfonzo Pérez y Ana Larrain Martínez, a edad temprana demostró su vocación por la música y recibió en el seno mismo de la familia sus primeros pasos gracias a su progenitora quién le enseñó el canto y a tocar el cuatro venezolano. A los 7 años, fallece el padre del futuro artista por lo que su madre decide trasladarse a Caracas con la familia. Su primera composición la hizo a los 9 años y la entregó a la cupletista española Pilar Arco quien la incorporó a su repertorio. Siendo adolescente, en 1925, forma con unos amigos una improvisada agrupación que constaba de piano, violín, percusión y banjo, tocado por el propio Luis Alfonzo. Habiendo evolucionado el grupo dos años después, e incorporados nuevos músicos, en 1927 se le da el nombre de Orquesta Flava por el color de los uniformes de los músicos y recibe la aceptación de un pequeño público, fundamentalmente opuesto a la dictadura del entonces gobernante Juan Vicente Gómez1 Primeros pasos[editar] Ya como un conjunto integrado y con la incorporación de otros instrumentos musicales, efectúa presentaciones la emisora de radio Broadcasting Caracas (actualmente, Radio Caracas Radio) y desarrolla otras agrupaciones en los géneros musicales de moda. Así, tiene la oportunidad de conocer y alternar con algunos artistas que para el momento ya gozaban de cierto renombre, como Graciela Naranjo y Enrique Alvarenga. Así mismo, interviene en algunas producciones dramáticas de la emisora y en algunos filmes silentes venezolanos. El estímulo de los primeros pasos y del tenor mexicano Pedro Vargas le impulsa a organizar su propia orquesta, al tiempo que continuaba su aprendizaje, especialmente en armonía y composición como alumno de Vicente Emilio Sojo, director y fundador de la Orquesta Sinfónica Venezuela. Consolidación[editar] Organizada formalmente su orquesta, realiza sus primeros arreglos musicales para orquesta de bailes, sobre todo en el género del merengue venezolano, con la participación de cantantes como Cecilio Francisco "Kiko" Mendive, Marco Tulio Maristany y Graciela Naranjo; y, posteriormente, otros, como Elisa Soteldo, Ada Alba, Elio Rubio, Orlando Vallejo y Manolo Monterrey. El 16 de octubre de 1945 en Nuevo Circo, Caracas, toca con su Orquesta en un mitín en honor a la legalización del Partido Comunista de Venezuela interpretando La Internacional y el Himno Nacional ante 15.000 personas. En 1948, su orquesta es contratada por la empresa discográfica Comercial Serfaty para acompañar en algunas de sus primeras grabaciones comerciales a la cantante cubana Celia Cruz quien vino por primera vez a Venezuela en ese año y que recién iniciaba su carrera profesional.2 Luis Alfonzo fue uno de los precursores en la adaptación del merengue venezolano, generalmente compuesto en la tonalidad de modo mayor, a la agrupación orquestal tipo banda, dando a este género un impulso novedoso, sin perder su originalidad tradicionalista; contribuyendo a su adaptación bailable. Igualmente, adaptó otros ritmos tradicionales, como el joropo al estilo de la orquesta de baile. Madurez[editar] Por su habilidad en la ejecución de la música popular en la amenización de bailes y fiestas recibió la denominación de “El mago de la música bailable”. En el seno del público la orquesta disputaba las preferencias a la Billo's Caracas Boys. Sin embargo la rivalidad artística no impidió que Billo Frómeta, director y fundador de la mencionada orquesta, fuese amigo y admirador de Luis Alfonzo Larrain. Se alternaban las presentaciones a través de la radio, en especial en los primeros años, con las presentaciones en clubes o en giras hacia otros lugares del país; o bien, hacia el exterior, sobre todo a Colombia, o hacia las islas de la Cuenca del Caribe. Estando en boga el cha cha chá, a mediados de los años 50; la orquesta de Luis Alfonzo grabó algunos temas en ese género, aunque manteniendo el predominio de las guarachas y los boleros como, “Quisiera”, escrito por el propio músico. Vida personal y otras actividades[editar] Luis Alfonzo alternaba su actividad musical con otras como la publicación de escritos sobre asuntos humorísticos del acontecer diario. Compuso la música de la película “Carambola”, en 1939, escrita y dirigida por Fini Veracoechea. Estuvo casado con la cantante Elisa Soteldo, de quién se divorció; luego se casó con Eduvigis Bravo y fundó la empresa Estudios Larrain. Al principio de los años 50, como ya había hecho su amigo y colega Billo Frómeta, realizó algunos discos en formato de 78 RPM bajo la forma de producción independiente y con su propio sello con una fotografía de su rostro.3 Más tarde, abandonaría este concepto para firmar un contrato con la compañía discográfica El Disco de Moda, propietaria del sello Discomoda, con la cual realizaría sus últimos trabajos, esta vez en formato de LP. Hoy en día, las cintas originales de estos trabajos, archivadas por la mencionada empresa han sido digitalizadas y han aparecido en ediciones limitadas en CD. Paralelamente a sus últimos años como músico activo, también se destacó en la defensa de los derechos de los compositores y músicos venezolanos y por ello, estableció en Caracas el día 15 de mayo de 1955, la Sociedad de Autores y Compositores de Venezuela (SACVEN) que fue legalizada el 25 de mayo del mismo año. Los miembros fundadores aparte de Alfonzo Larrain fueron Ulises Acosta, Manolo Monterrey, Jesús Chucho Corrales, Fernando López y Billo Frómeta. En 1958 disolvió su orquesta y realiza música para pautas publicitarias en cine, televisión y radio, pero luego retoma esta actividad en 1959 permaneciendo en ella hasta 1961, cuando se retiró de la actividad musical para dedicarse, hasta el final de sus días, a su labor en SACVEN y a su empresa, Estudios Larrain. En 1979, se acordó instituir la fecha aniversaria de esta Organización, el 15 de mayo, como Día del Compositor Venezolano. Éxitos de su orquesta[editar] Como gozo Quisiera El cigarrillo Tinguilín Qué vamo’ a comé El morrocoy No comprendo Quisiera yo No volveré a encontrarte Dime adiós Mercedes La guitarra de Miguel Qué barbaridad Por comer zapoara Maracaibo Vamos a beber El Pajarillo aragüeño El alardoso Te caigo a tiros Esta es Venezuela Temor No me sigas mirando La jaiba y el cangrejito A mi palomita No lo jures Bernabé se alborotó

LORENZO HERRERA Y MARGARITA CUETO,PETRONILA

LORENZO HERRERA Y MARGARITA CUETO,CIERRA LA VENTANA

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),LUNA DE MIEL EN PUERTO RICO

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),PALABRAS DE MUJER.

ORQAUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),MUCHOS BESOS

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),LINDA SIEMPRE LINDA.

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),EL MERENGUE

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),DESEOS

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),AMOR DE MIS AMORES

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ.(RAFFI MUÑOZ),DESESPERACION

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),SANTA MARIA

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),LO SIENTO POR TI

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),LA PULGUITA

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,(RAFFI MUÑOZ),ENIGMA

ORQUESTA DE RAFAEL MUÑOZ,RAFFI MUÑOZ,CAMPANITAS DE CRISTAL

BIOGRAFIA DE MARIANO MELENDEZ

Mariano Meléndez, destacado tenor cubano; nació el 11 de septiembre de 1886, en La Habana. Es reconocido fundamentalmente por haber sido el primer intérprete de la criolla-bolero Serenata cubana, del destacado músico Gonzalo Roig; que en nuestros días es conocida a nivel mundial como Quiéreme mucho. En el mes de noviembre del año 1923, hizo su debut con la compañía de Arquímedes Pous; en esta ocasión tuvo la oportunidad de interpretar la opereta El canto de la sirena, de A. Bronca y H. Monteagudo; en el teatro cubano. Formó parte de la compañía de Roberto “Bolito” Gutiérrez, en los mese de noviembre y diciembre de 1930. Mariano Meléndez, a lo largo de su carrera artística, realizó innumerables presentaciones en importantes conciertos de música cubana organizados sobre todo a lo largo de las décadas de 1920 y 1930, por personajes de la talla de Jorge Anckermann, Eduardo Sánchez de Fuentes y el reconocido pianista Ernesto Lecuona. Tuvo la posibilidad de grabar disímiles números de su repertorio, a través de varias empresas disqueras estadounidenses. Se retiró de la escena durante la década de 1940 y dedicó el resto de su vida a impartir clases, favoreciendo el desarrollo y la formación de numerosos y talentosos jóvenes cantantes. Mariano Meléndez falleció el 15 de octubre de 1960.

MARIANO MELENDEZ,SI SEÑOR ESTA ES MI NIÑA

MARIANO MELENDEZ,AY AY AY

MARIANO MELENDEZ,RECUENTAS

DANIEL SANTOS Y SU SONORA BORICUA.

Daniel llevó su Sonora Boricua a Curazao, Aruba y Santo Domingo. Se quedó en el aire un viaje que tenían para Venezuela por unas desavenencias surgidas entre Daniel y varios de los músicos, y poco después vinieron los ú1timos días de "La Sonora Boricua" a finales del año 1949." "He tratado por todos los medios de conseguir alguna foto del Grupo, pero parece que no existe, al igual que no existe LP- Casete o CD, ni una grabación del tema del conjunto, excepto por mis grabaciones caseras.Ya en ese año 2002 logré hacer el segundo CD donde incluí 16 canciones más que con las 18 grabadas en el primer CD suman 34 pues no hemos podido conseguir dos números de los 36 que son "Como se dan los besitos" y "La Rumba tiene valor" ambas del compositor Cubano Pablo Cairo." "De todas las canciones grabadas por La Sonora Boricua, veintidós fueron con la compañía "Secco" y catorce con la RCA Victor, para los coleccionistas que les interese estas grabaciones, tengo un listado disponible." "El bajistas era nada menos que nuestro gran compositor Roberto Cole, el pianista era Joe Blanco, quien después estuvo en la orquesta de César Concepción y otras. La conga la tocaba un muchacho de 19 años que se llamaba Rafael Cortijo…" Los músicos que integraron "La Sonora Boricua" fueron: Daniel Santos, Director, cantante y compositor; Joe Blanco, Pianista y arreglista; Roberto Cole, Bajista, compositor, arreglista; Víctor Rodríguez, Primer Trompeta y arreglista; Pito Sepúlveda, Segunda trompeta y cantante; Juan Zamora, Tercera Trompeta; Néstor Romin, Cuarta Trompeta; Tito Henríquez, Guitarra y coro: Rafael Cortijo, Tumbadora, requinto; Luis ¨Elmore¨ Sánchez, Segunda tumbadora, soneos y coro; Adalberto Rivera, Bongó; Gino Picart, Cantante y coro.

DANIEL SANTOS Y SU SONORA BORICUA,PERO QUE BRONCA

DANIEL SANTOS Y SU SONORA BORICUA,SOLTANDO CHISPAS

DANIEL SANTOS Y SU SONORA BORICUA,SIEMPRE CONTIGO

DANIEL SANTOS Y SU SONORA BORICUA,SE FORMO LA BRONCA

DANIEL SANTOS Y SU SONORA BORICUA,LAS SIETE Y MEDIA

DANIEL SANTOS Y SU SONORA BORICUA EL BOBO DE LA YUCA

DANIEL SANTOS Y SU SONORA BORICUA,CHAMBELEQUE

BIOGRAFIA DE MARIA ANTONIETA PONS

biografia de maria antonieta pons nacimiento:11 de junio de 1922,la habana ,cuba muerte:20 de agosto del 2004,mexico,cuidad de mexico ocupacion:veddette y cantante. apodo:el ciclon del caribe. sus inicion en la musica y la actuacion:maria antonieta pons inicia su carrera muscal en cuba como bailarina,en cuba en diversos teatros y clubes de la habana ,cuando tenia 16 años conocio a el actor y director de cine juan orol quien se convierte en su pareja de baile en diversos concursos de baile de la isla. María Antonieta debuta en el cine con la cinta Siboney (1938), dirigida por Juan Orol. María Antonieta es la primer rumbera que triunfa en el Cine mexicano, y la que, de alguna manera, perfilará la aparición del género conocido como el Cine de rumberas. Después de su debut, María Antonieta no volvió a pisar los foros en algún tiempo, porque Orol y ella realizaban giras internacionales, y el circuito principal de estas giras eran centros nocturnos y cabarets de los Estados Unidos, particularmente Nueva York y Chicago. En 1942, retorna al cine con un pequeño rol en la cinta La última aventura de Chaflán, última cinta del comediante Carlos López "Chaflán". En ese mismo año, María Antonieta regresa al cine invitada por el productor Guillermo Calderón para participar en la cinta Noches de Ronda, al lado de Susana Guízar y Ramón Armengod. En ese mismo año, actúa en la cinta Konga Roja, al lado de Pedro Armendáriz. despues de su ruptura amorosa con orol,maria antonieta fue contratada por Gregorio Wallerstein,bajo la batuta de este productor realiza la cinta la reina del tropico de 1946,con luis aguilar y la vida intima de marco antonio cleopatra 1946 María Antonieta conoce a su segundo marido, el actor y director Ramón Pereda en 1950, cuando este la contrata para filmar la cinta El ciclón del Caríbe. Pereda había estado casado con la actriz Adriana Lamar, y buscaba una nueva musa cinematográfica. Con Pereda como director, María Antonieta realiza algunas de sus mejores cintas, de las cuales destacan La reina del mambo, la lado de Sara García (1950), María Cristina (1950) y La niña popoff (1952, basadas en los famosos mambos de Pérez Prado). En 1952 se incorpora al mercado brasileño con la cinta Carnaval Atlántida, pues gozaba de una gran popularidad en el mercado de este país. De todos las rumberas cinematográficas, María Antonieta tuvo la carrera más prolífica dentro del género. Su extensa filmografía abarcó casi treinta años. Con el declive del Cine de rumberas, en los años 1950's -sus ultimos años:despues de caña brava maria antonieta se despide del medio artistico,y sus apariciones fueron esporiadicas a su alrededor se crearon especulaciones sobre su recidencia unos la ubicaron en los angeles y miami,hasta new york muerte:María Antonieta Pons falleció en la Ciudad de México el 20 de agosto del 2004. Según contó su viudo, Pons, había comenzado a presentar lagunas mentales, pero fue un paro cardiaco el que causo, que a los 82 años, la actriz y rumbera dejara de bailar para siempre. A petición de la actriz, su muerte se anunció una vez que los servicios funerales hubieran concluido. En varias entrevistas su viudo negó la versión de que padecía sobrepeso, y aseguro que la actriz conservaba la figura escultural que la caracterizaba en sus películas

BIOGRAFIA DE DOMENICO MODUGNO.

biografia de domenico modugno nacimiento:9 de enero de 1928,italia muerte:6 de agosto de 1994,italia, Lampedusa fue cantante,guitarrista,compositor y actor italiano parte de su vida:en 1951 despues de terminar el servicio militar y gracias a una beca accedo a el centro experimental cinematografica de roma En los años cincuenta se hizo muy popular en los Estados Unidos. Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica internacional cuando, con «Nel blu dipinto di blu» (más conocida como «Volare»), triunfó en el Festival de San Remo de 1958 junto a Johnny Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de Eurovisión de ese mismo año, quedando en tercera posición (de diez). entre los exitos de modugno volare,fue un exito a nivel internacional,y con el tiempo fue unas de las canciones mas reprensentativas de italia. Fue un éxito tan extraordinario que L'Espresso, un periódico italiano, tituló su primera plana: «Modugno ha conquistato l'America», y para fin de aquel año las ventas del mismo aumentaron, batiendo todos los récords para un disco italiano hasta aquel momento en el mundo del cine:en 1960 se le acuso de plagiar la la cancion de un compositor de opera,aunque de declaron inocente,gano tres veces el festival de san remo Piove 1959, nuevamente con Johnny Dorelli sus exitos:onsiderado como el «padre» de los cantautores italianos y uno de los más prolíficos artistas italianos en general al haber escrito y grabado cerca de 230 canciones, interpretado 38 películas para cine y 7 para la televisión, recitado 13 obras teatrales, conducido algunos programas televisivos y aparecido numerosas ocasiones, sea por televisión o en vivo, en los escenarios. Fue muy notorio ante un amplio público por sus cuatro victorias en el Festival de San Remo, en modo particular por aquella de 1958 con la canción «Nel blu dipinto di blu», escrita por Franco Migliacci y universalmente conocida como «Volare», que se convirtió en una de las canciones italianas más conocidas en el mundo. un artista muy conocido se recuerdan entre sus canciones la lontananza ,piove,comme prima, su vida como politico:para la fecha de 1984 domenico modugno sufrio un ictus y se vio forzado de dejar la actividad artistica se dedico a la politica y fue elegido a el parlamento de el partido radical italiano desde 1987 y 1992. Entre algunos de sus reconocimientos posmórtem, en el 50.º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a Volare como la mejor canción de la Historia del concurso tras «Waterloo» del grupo sueco ABBA. Además esta valoración vino a hacer justicia contra el cero que Doménico obtuvo en el Festival de Eurovisión de 1966 con «Dio come ti amo», con el cual se había sentido profundamente dolido listas de canciones cantadas a el español. 1955: «Viejo frac» o «El hombre del frac» (en italiano «Vecchio frack»). 1958: «En el cielo pintado de azul» (en italiano «Nel blu dipinto di blu»). 1959: «Llueve» (en italiano «Piove» o «Ciao ciao bambina»). 1966: «Dios, cómo te amo» o «Dios mío, cómo te quiero» (en italiano «Dio, come ti amo»). 1968: «En mi lugar» (en italiano «Il posto mio»). 1969: «Recordando con ternura» (en italiano «Ricordando con tenerezza»). 1969: «Está llegando a mi alma» (en italiano «Mi sei entrata nell'anima»). 1970: «La distancia» (en italiano «La lontananza»). 1970: «Te amo, amo a ti» (en italiano «Ti amo, amo te»). 1970: «Como has hecho» (en italiano «Come hai fatto). 1971: «¿Cómo estás?» (en italiano «Come stai?»). 1971: «Amarga flor mía» (en italiano «Amaro fiore mio»). 1972: «Un puntapié a la ciudad» (en italiano «Un calcio alla città»). 1973: «Amarga tierra» (en italiano «Amara terra mia»). 1973: «Sortilegio de luna» (en italiano «Sortilegio di luna»). 1973: «Mi caballo blanco» (en italiano «Cavallo bianco» o «Il mio cavallo bianco»). 1974: «Bordolino» (canción publicitaria realizada para el vino argentino homónimo).

BIOGRAFIA DE MIGUELITO ALCAIDE.

biografia de miguelito alcaide nacimiento:13 de noviembre de 1934,puerto rico,hatillo,puerto rico. muerte:25 de julio de 1988,puerto rico.rio piedras, -unos de los mejores exponentes de requinto de todos los tiempo a traves de su brillante trayectoria,formo parte de grabaciones de trios y conjuntos.de voces y guitarrasb mas estelares de su pais. este musico fuera de serie era de formación autodidáctica inició el aprendizaje de la guitarra cuando contaba nueve años de edad. A los catorce 1948 , fue requerido para integrar el Cuarteto Los Universitarios, que completaban Edmundo Disdier Álvarez ( primera voz); Astor Aponte segunda voz y Pedro Berríos Feliciano guitarrista y tercera voz . En 1952 pasó a formar parte de Los Cuatro Ases, grupo organizado por el empresario Gonzalo Tato Ardín para que grabara bajo su etiqueta Discos Mardi. Originalmente lo integraron María Esther Pérez Félix - reemplazada al casarse por María Esther Ortiz primera voz) Tito Lara segunda voz y solista Berríos Feliciano - quien fuera su compañero en el grupo anterior y él en 1954 se une a el trio los antares,sustituyendo a Rafael Scharón quien habia sido reclutado por el ejercito. en 1959 al establecerse en san fransisco ,california ee,uu para iniciar un ventajoso contrato con la multinacional discografia capitol records y actuar en hoteles,este colectivo se rebautiso con el nombre de the four amigos durante siete años el exito de este experimento fue fenomenal en Puerto Rico en 1966, Miguelito Alcalde, cuyo nombre de pila era Miguel Ángel Alcaide Santiago, comenzó a trabajar con Aidita Viles y Los Del Río en el Caribar del hotel Caribe Hilton y en fiestas patronales a través de todo el país. Su pasantía por esta agrupación se prolongó hasta 1968, cuando fundó el Cuarteto San Juan, cuyos miembros eran Germán Vega Salinas, Pablo Ortiz y Jimmy Delgado. Lo dirigió hasta 1970, año en que organizó el original Trío Los Caciques con Papo Valle primera voz y Tatín Vale segunda voz y guitarrista -en 1976 paso a formar parte de los tres grande bajo direccion de julito rodriguez .con el también guitarrista Rafael "Tato" Díaz en la segunda voz siete años despues en 1983 junto a el cantante anibal hernandez y tatto diaz organizó Lo Nuevo En Tres, frente al que grabó el álbum con la música ambiental de la telenovela "Poquita cosa", que Ángela Meyer y Oscar Morelli protagonizaron en WAPA TV -Canal 4. en 1986 recibio un homenaje dentro del marco del concierto del siglo presentado en bellas artes luis a ferrer . su muerte:fallecio en rio piedras el 25 de julio de 1988 a causa de cirrosis epatica por años lucho contra el alcholismo.

BIOGRAFIA DE ARIEL RAMIREZ.

biografia de ariel ramirez nacimiento:04 de septiembre de 1921,santa fe,argentina muerte:18 de febrero del 2010,monte grande,argentina parte de su vida:estudio piano en su cuidad natal,sus estudios en composicion ocurrio años mas tarde en Buenos Aires con Luis Gianneo y Erwin Leuchte Impulsado por Atahualpa Yupanqui quien lo escucho en cordova aprendio hacia 1941 una larga temporada de viajes por varias provincias del centro y noroeste del pais, En 1943 llegó a Buenos Aires, donde brindó numerosos conciertos y tuvo contrato permanente en Radio El Mundo. En 1946 grabó para RCA Victor sus primeros discos, uno de los cuales incluía la zamba La Tristecita, obra que le brindó popularidad. en 1950 viajo a europa donde vivio mas de cuatro años con residencia permanente en roma pero efectuando numerosas giras en distintas salas de eventos y teatros de italia,austria,alemania,holanda,belgica. En 1955 volvió a la Argentina, donde organizó la Compañía de Folklore Ariel Ramírez para llevar adelante un espectáculo coreográfico musical convocando a artistas de distintas regiones del país. A partir de su debut en el Teatro SODRE de Montevideo, gracias al estímulo de su director, el maestro Hugo Balzo, la compañía desarrolló su actividad durante más de veinte años por todo el territorio argentino. Entre los músicos más destacados que iniciaron o desarrollaron sus incipientes carreras actuando con el Maestro Ariel Ramírez se puede mencionar a Jorge Cafrune, Jaime Torres, Raúl Barboza y Los Fronterizos. en 1960 realizo inumerables giras por argentina y comenzo a grabar para la philips unas series de lp con sus obras y piano solo en colaboracion con otros musicos , y también una colección que constituye una antología de la musica de algunas regiones de argentina de todos sus lp como interprete el adquirio msa tracendencia Coronación del Folklore. como compositor ,escribio una larga lista de canciones varios ciclos integrales presentados todos ellos a través de ediciones discográficas que tuvieron una notable repercusión. El primero de estos discos es es que incluye la Misa Criolla y, también en carácter de estreno, los villancicos reunidos bajo el título Navidad Nuestra con textos de Félix luna Continuó ininterrumpidamente sus giras y presentaciones tanto en su país como en el exterior, aunque con menor frecuencia que en décadas anteriores. El 5 de agosto de 1992 se realizó un concierto en su homenaje en el Teatro Colón de Buenos Aires bajo el título Ariel Ramírez, 50 años con la música nacional, en el que participaron algunos de los más importantes intérpretes de la música popular argentina, y en cuyo transcurso se ejecutaron exclusivamente obras suyas. En 1964 la compañía discográfica Philips dio a conocer el álbum Misa Criolla, resultando inmediatamente un éxito mundial. Esta obra fue realizada en base al texto castellano redactado por la Comisión de las Iglesias de América latina, después de que el Concilio Vaticano II dispusiera la realización de los oficios religiosos en los lenguajes vernáculos, abandonando el uso exclusivo del latín, y contó con el apoyo y colaboración del sacerdote Osvaldo Catena, asesor de Liturgia para América Latina, el sacerdote Jesús Gabriel Segade (director de la Cantoría de la Basílica del Socorro) y del sacerdote Alejandro Mayol.2 Editada al año siguiente, Misa Criolla. Para tenor, coro mixto, percusión, instrumentos andinos y clave o piano misa criolla marco irrupcion en el mundo de la musica liturgica argentina con un nivel artistico que le permitio ser admirada por sectores del publico europeo americano y de otras latitudes. listas de obras compuestas: 1945: La tristecita (con María Elena Espiro, zamba) 1964: Navidad nuestra (con Félix Luna, villancicos) 1964: La peregrinación (con Félix Luna, huella) 1965: Los caudillos (con Félix Luna, cantata épica) 1960: Los inundados (con Guiche Aizenberg, canción litoraleña) 1969: Alfonsina y el mar (con Félix Luna, zamba) 1977: París, la libertad (con Félix Luna, canción) 1950: Agua y sol del Paraná (con Miguel Brascó, canción litoraleña) 1958: El nacimiento del charango 1972: Cantata sudamericana (con Félix Luna) 1972: Antiguo dueño de las flechas (indio toba) (con Félix Luna) 1975: Quince estudios para piano.

BIOGRAFIA DE MARIO MAURANO.

biografia de mario maurano nacimiento:06 de agosto de 1905,rio de janeiro,brazil muerte:27 de diciembre de 1974,argentina, sus inicios:fue un musico de singular relieve en la dificil labor de concretar la escritura instrumental para la orquesta tipica en esa actividad se destaco en la decada de los 30 y 40. Participó en muchísimas películas, entre ellas, dos films con Libertad Lamarque, Madreselva, de Luis César Amadori, del mismo año y al siguiente, Puerta cerrada, de Luis Saslavsky. Esos dos años fueron su destape laboral, pues también tuvo a su cargo escribir los arreglos de los temas que interpretó, por Radio El Mundo, la orquesta gigante constituida por la unión de los músicos de Julio De Caro, Juan Canaro, Edgardo Donato, Ricardo Tanturi y Francisco Lomuto. -la tan siempre recordada orquesta tipica victor,formada por destacados musicos que trabajan en el sello,creada solamente para grabaciones comenzo su trayectoria en 9 de noviembre de 1925 su director fue adolfo carabelli La actividad finalizó luego de 444 registros, el 9 de mayo de 1944. fue autor de llos temas sobresalientes como cuatro campanadas,el embrujo de tu violin,riendo,por señal de la cruz,amor. Maurano dirigió la orquesta acompañante de Libertad Lamarque, a partir del año 1938, en varias ocasiones. Ese año, tuvo a su cargo el registro del vals “Frou frou” y de la canción “Pianito de juguete”. En 1939, solamente en “Caminito”. En 1940, en “Un amor”, “Cita en la frontera”, “Lonjazos”, “Cosas del amor”, “Riendo”. En 1941, “Mañanera”, “Cuando el amor muere”, “En esta tarde gris”, “Una vez en la vida”, “Canción de navidad”, “Canción de cuna” fallece el 27 de diciembre de 1974..

BIOGRAFIA DE HECTOR MAURE.

biografia del cantante hector maure nombre completo:Vicente José Tito Faliven nacimiento:13 de marzo de 1920.buenos aires,argentina muerte:12 de mayo de 1976,buenos aires,argentina parte de su vida:hijo de adolecente italiano su padre su oficial de policia primero y despues obrero,en una fabrica de mosaicos su madre era gallega ,tubo una hermana menor que incurciono en el canto se llamaba diana rey fue de la orquesta de el compositor argentino don fabian.. Desde 1933 a 1937, el poco dinero que ganaba lo ganó boxeando, hasta que un golpe lo hizo abandonar la actividad para dedicarse solamente el canto. en 1936 por gestion de sus amigos,se prensento en el cafe rio de plata que quedaba frente a el monumento el cid campeador Allí debutó usando el nombre Tito Falivene y estuvo actuando durante tres meses. Posteriormente cantó en un festival, que se desarrolló en el cine Argentino del barrio de Palermo, acompañado por las guitarras de Osvaldo Avena, Pablo Rechia y Antonio Ianigro. en 1937 tiene la suerte de ser acompañado por la orquesta de anelmo aieta ese mismo años continua su carrera on la Orquesta Característica Porteña, dirigida por Dante Liguori,participa en el concurso auspiciado por jabon puloil que se desarrolaba en radio belgrano y tenia 5000 incriptos de los cuales se seleccionaban las diez voces nuevas del año 1938 Comenzó a estudiar y vocalizar en el conservatorio que había instalado Gabriel Clausi, apodado El Chula, luego en la academia de los hermanos Rubistein. Hasta el año 1940 actúa en varias emisoras y luego se emplea en la bodega La Superiora. En ese momento, disminuyen sus actuaciones por un breve período, donde podemos destacar su actuación, durante 15 días, junto a la orquesta de Alberto Pugliese (hermano de Osvaldo Pugliese). 12 de diciembre de 1940 hace su debut con el vals de juan carlos gravits flor del mal,del otro lado eslavas blancas de horacio pettirossi.cantaba por alberto reynal. El primero de enero de 1945 comienza su labor como solista, actuando en Radio Belgrano, con orquesta propia dirigida por el bandoneonista Alberto Cima. en 1953 se casa con susanna esther bassini vivio en buenos aires mas tarde adquirio su casa propia en la ciudad de Ituzaing, en 1955 el peronismo fue derrocado por la dictadura autodenominada Revolución Libertadora de 1955 los tanguistas hugo del carril,nelly omar,anita palmero,chola luna, entre otros, fueron perseguidos por sus ideas políticas y prácticamente nunca más volvieron a trabajar.Tras la caída de la dictadura de Pedro Eugenio Aramburu En 1960 comienza lentamente a desaparecer el tango de la radio y la televisión, las empresas son tentadas a dar paso a nuevos ritmos. De tantos sitios donde Mauré se presentó en ese entonces debemos recordar El Rincón de los Artistas, de los hermanos, Forastieri, reducto que defendió hasta las últimas consecuencias la difusión del tango y, donde además, Héctor Mauré debutara el 7 de noviembre de 1965 y fuera artista exclusivo hasta el 9 de mayo de 1976. Tres días más tarde, imprevistamente, en su casa, un infarto al miocardio ponía fin a su existencia. Dejó 293 grabaciones para los sellos Víctor, Orfeo, Columbia y Music Hall.

BIOGRAFIA DE CARLOS JULIO RAMIREZ.

biografia de carlos julio ramirez. nacimiento:04 de agosto de 1916,cundinamarca,colombia muerte:12 de diciembre de 1986,florida,estados unidos. inicios en la musica:su carrera de cantante se inicio en los pueblos,junto a su hermana alcira ramirez en los barcos turistas que corrian en el rio magdalena cerca del pueblo de giradot donde canto desde los 9 años por unas cuantas monedas,alli le verion presentandose en el teatro municipal y el teatro faenza y varios viajes a medellin que se ganaron el apodo de los jilgueros de colombia. A la edad de 12 años, Carlos Julio Ramírez debuta en la radío, en un programa de la emisora bogotana La voz de la Víctor. Allí conoce al maestro Efraín Orozco quien lo lleva a su primera gira musical por Suramérica. en 1936 se marchaba a buscar marcha a el exterior en buenos aires,integrando la orquesta del maestro efrain orosco viajo tambien a viña del mar donde fue escuchado por los tanguistas homero manzi y catulo castillo quienes lo recomendaron a empresarios bonaerenses conocio a carlos gardel de quien se cuenta que le dijo: "Pibe, no te quedes en tu tierra con esa voz formo parte de la comañia de opera teatro colon donde cantaba junto a Lily Pons y Giacomo Lauri-Volp Llegó en los años 40 al teatro Metropolitan Opera House. El crítico e historiador musical Irvinge Kolodin, que escribía los programas del Metropolitan, dijo que el Largo al factotum de Ramírez había sido superior a los realizados por los míticos barítonos Titta Ruffo y Ezio Pinza, en tecnologías anteriores al disco. Desafortunadamente, ignoraba cómo era New York, y cómo los artistas del Metropolitan eran contratados con bastante tiempo antes de comenzar la temporada de opera. en 1944 comienza su carrera en el mundo cinematografico La productora cinematográfica estadounidense Metro Golden Mayer contratan a carlos julio para participar en varias peliculas de la epoca actuando en siete peliculas entre ella escuela de sirenas Sus primeras grabaciones de música colombiana las realiza hacia el año de 1952 con temas como Bésame morenita, “El camino del café, La carta”, Compadre, no me hable de ella, Sombras, Arrunchaditos, El Trapiche, y otras, además de muchos temas del repertorio internacional .Falleció en la ciudad de Miami el 12 de diciembre de 1986, aquejado por el cáncer.

BIOGRAFIA DE TITO SCHIPA

biogarfia de tito schipa nacimiento:lecce,italia,27 de diciembre de 1888. muerte:16 de diciembre de 1965,new york,ee.uu sus inicios:Ya adolescente, y por consejo de su maestro de canto, Alceste Gerunda, se trasladó a Milán para terminar sus estudios. El 4 de febrero de 1909 debutó en la ópera La Traviata, en Vercelli. -despues de trabajar unos años de una compañia de opera de Giuseppe borboni,donde adquirio experiencia y desarrollo su talento lograr destacarse y triufar en napoles,en 1914 en la opera tosca con el nombre artistico de tito schipa en 1918,participo en la opera manon en madrid lo que significo su primer triunfo en italia,al el año siguiente viajo a chicago vitado por los administradores de la empresa Civic Opera En ésta ciudad se reencontró con Antoinette Michel d'Ogoy,actriz francesa donde se caso y tubo dos hijas dos hijas, Elena y Liana. Su debut en Chicago lo realizó el 4 de diciembre de 1919 en la ópera Rigoletto, iniciando una carrera triunfal que duraría 15 años más en los Estados Unidos en octubre de 1932 dejo chicago y se traslada a new york ara tomar el puesto de Beniamino Gigli en el Metropolitan Opera House. En 1935 forma parte del reparto en la opera Werther en San Francisco,por los efectos de la gran depresion En la década de 1950 sus apariciones fueron cada vez más espaciadas y el 14 de abril de 1955 hizo su presentación de despedida de los escenarios italianos en la ópera Elixir de amor en el Teatro Petruzzelli, en Bari. Sin embargo, su carrera continuó, fundando en Hungría una escuela de canto en 1956, y realizando en 1957 una gira en la Unión Soviética. Fundó en Nueva York una escuela de canto, en la cual enseñó hasta el 16 de diciembre de 1965, día en que falleció por los efectos de la diabetes, a los 77 años de edad. Este tenor, que no tenía una voz potente, pero era muy melódico, llegó a ser el intérprete preferido en Europa durante la década de los años 1930.

ANGEL VILORIA Y SU CONJUNTO TIPICO CIBAEÑO.

Ángel Viloria y su conjunto típico cibaeño fue un conjunto de merengue que se destacó en la comunidad hispana de Nueva York a comienzos de la década de 1950. Fue la primera banda en disfrutar de un relativo éxito en la difusión del merengue fuera de la República Dominicana. El grupo estuvo compuesto por Ángel Viloria en el acordeón y líder de la banda (como suele acontecer en los conjuntos típicos de merengue), Ramón E. García en saxofón alto, Luis Quintero en la tambora y Dioris Valladares como vocalista y güirero. Entre 1950 y 1952, grabaron gran cantidad de canciones bajo el sello de música latina con base en Nueva York Ansonia Records, propiedad de Rafael Pérez. El grupo se disolvió en 1953 y más adelante, Viloria, Quintero y Valladares formaron diferentes grupos. Merengue: conjunto vs. orquesta[editar] El grupo de Viloria se presentó como la auténtica expresión del conjunto típico del Cibao, nombre con que se conoce en la República Dominicana a la región donde el merengue "típico" tuvo su origen. Esta forma de merengue se caracterizó por presentar un tiempo un poco más rápido, manteniendo la preponderancia del acordeón en oposición a las versiones de merengue de Luis Alberti, permeadas por influencias jazzísticas. Alberti adaptó el merengue al gusto urbano del Santo Domingo de los años cuarenta. Aunque el estilo de Ángel Viloria reflejaba ciertas influencias de Alberti, el acordeón estuvo siempre en primer plano, con su carácte

BIOGRAFIA DE RAFAEL MUÑOZ

En 1934 la orquesta estaba formada por el violinista Jorge Luis Acevedo, el guitarrista y violinista Luis Cardona Bonano, los trombonistas Jorge López y Arcadio “Cutín” Ruiz, el trombonista juanadino Samuel Rivera, los saxofonistas Rubén Rivera, José “Pepito” Torres Silva, Pedro Viñolo y José María “Jossy” Enríquez y Juan Prats, baterista. El piano lo tocaba Rafael Font (quien venía de la orquesta Midnight Serenaders, de Augusto Rodríguez) y el dominicano Rafael “Petitón” Guzmán. El maestro Muñoz ejecutaba el contrabajo y el cantante original era el bayamonés Deogradias Vélez. Cuando Vélez abandonó la orquesta entró como nuevo cantante un compueblano suyo, Félix “Pilón” Castrillón. Luego fue José Luis Moneró “El Principe de la Canción Antillana”, y en sucesión, en distintos años y distintas épocas, cantaron con la orquesta de Muñoz durante algún tiempo, Víctor Luis Miranda (quien grabó el clásico Olvídame, de Roberto Cole), Ernesto Mantilla, Johnny Rodríguez, Tonny Sánchez y el ponceño Vitín Garay. Andando el tiempo, también fueron cantantes de la orquesta en distintas etapas o épocas, Al López, el también ponceño Harry Figueroa (quien también cantó con la orquesta ponceña Melody Boys), Rafael “Ralph Dick” Rovira, y luego, el hijo del director, Raffie Muñoz, quien era un magnífico cantante. A la Orquesta de Rafael Muñoz se le denominaba, indistintamente, como la “Orquesta de Los Maestros - Directores”, la “Orquesta de Los Compositores” y la “Orquesta de Los Arreglistas”, y era todo ello aún más. Curiosamente, Muñoz le ofreció su primera oportunidad como compositora a dos adolescentes que entonces cursaban sus estudios de escuela superior: Ivonne Lastra, hoy día Doctora en Microbiología e hija del famoso abogado Alfonso Lastra Chárriez (Claro de luna) y Sylvia Rexach (Matriz de amo y Dí, corazón Midnight Serenaders, está última grabada por la orquesta en tiempo de bolero-son). Igualmente curioso es el número de integrantes de la orquesta de Muñoz que, el abandonar el grupo, crearon sus propias orquestas: César Concepción, Peito Torres Silva, Muguelito Miranda, Noro Morales, Paquito López Vidal, Rafael Elvira, su hermano Pablo Elvira, Rafael González Peña, Pete Rivera, Frank Madera, Rafael Font, Luis Ángel Cardona Bonano, Rafael “Petitón” Guzmán, Juan Prats, Jorge López Gray y José Luis Moneró. Entre los tantos maestros de música que compusieron arreglos musicales para esta orquesta, puede mencionarse como muestra a Rafael González Peña, Pete Rivera, Samuel Rivera, Rafael Elvira, Pablo Elvira, Rafael “Petitón” Guzmán, Paquito López Vidal, Miguelito Miranda, Moncho Usera, Roberto Cole y el propio maestro Rafael Muñoz. Más aún, el Boletín Oficial del Club de Admiradores de la Música del Ayer, de Juana Díaz, en su edición correspondiente a marzo de 1983, señala que cuando Rafael “El Jibaro” Hernández se encontraba residiendo en México: “. . .desde el hermano país le envió al profesor Muñoz una pieza musical suya completa con todos sus arreglos. Esa pieza resultó en un hit musical en la voz de José Luis Moneró. . .se trata del bolero titulado Inconsolable”. En definitiva, la Orquesta de Rafael Muñoz como tal ocupó la tarima de El Escambrón Beach Club desde el 1934 (cuando se fue don Rivero) hasta 1942, cuando pasó al hotel Condado Beach Club. Luego pasó a la tarima del hotel Normandie, hasta 1944. En ese año, en pleno apogeo de la fama y la calidad musical de su orquesta, a Rafael Muñoz se le presentó un problema personal que lo urgió a irse a Nueva York, y no regresó hasta varios años después. Rafael Muñoz y su orquesta merecen éste y todo reconocimiento que eles haga, no sólo por las cualidades de sus músicos y la magia de sus letras, sino por su armonía instrumental y la ternura de sus voces. Merecen éste y todo homenaje, muy especialmente por los amores que estimularon y se acunaron al arrullo de sus cadencias musicales a través de sus grabaciones. Por la dicha que regalaron y aún prodigan a tantos hombres y mujeres. La nación que es capaz de generar de su entraña a compositores, arreglistas, músicos y cantantes de esta calidad, tiene una cultura nacional vigorosa, robusta, recia. Al conmemorar a la orquesta del maestro Rafael Muñoz, se reverencia en ella nuestra identidad nacional, lo que somos, lo que nos define, lo que nos singulariza, la patria en su quinta esencia. Edición de una conferencia dictada el domingo 6 de mayo de 2001, en el Anfiteatro de la Universidad Interamericana, Recinto de Ponce, en ocasión del Decimoquinto aniversario de la Asociación Puertorriqueña de Coleccionistas de Música Popular.

BIOGRAFIA DE GILBERTO VALDES

Gilberto Valdés Valdés (1905-1972). Destacado compositor y director de orquesta cubano de música popular y de concierto. Llamado por Alejo Carpentier “especie de Gershwin criollo”. Nació en Jovellanos, Matanzas, el 21 de mayo de 1905. En su ciudad natal realizó los primeros estudios musicales. En 1920 se trasladó a Cárdenas donde ingresó en la filial del Conservatorio Payrellade de esa localidad. En sus años de adolescencia integró la orquesta de José Raventós, en Jovellanos, en la cual tocó flauta y clarinete. En La Habana cursó estudios de composición con el maestro español Pedro San Juan y materias teóricas con el profesor Hernández Pilato, al tiempo que estudiaba contabilidad. Su carrera como músico profesional comenzó en la orquesta de Alfredo Brito. También trabajó como flautista y saxofonista con la orquesta Hermanos Lebatard y dirigió por un tiempo la orquesta del cabaret La Verbena, en la cual tocó, como pianista, el luego famoso chansonier Ignacio Villa, Bola de Nieve. Años más tarde Gilberto Valdés completó su formación musical en Estados Unidos con David Saperton, entre otros maestros. Entre las décadas de 1930 y 1940 Gilberto Valdés compuso varias obras en un estilo similar al de Alejandro García Caturla y Amadeo Roldán, como las piezas orquestales "Danza de los braceros", "Liko tá tumbé" y "Guaguancó". En esa faceta de su producción se destaca "Evocación negra", pieza lenta en el estilo de los lamentos y los afros, pero en una extendida tonalidad neo-expresionista. En 1935, en el teatro Principal de la Comedia la cantante Rita Montaner con el pianista Rafael Betancourt, estrenó un grupo de composiciones de Gilberto Valdés concebidas para soprano y piano: "Bembé", "Baró", "Tambó" y "Sangre africana", obras de concierto referidas al folklore afrocubano, por muchos años preterido de la cultura “oficial”. A partir del mismo año Valdés se presentó en el programa Sensemayá, de la emisora de radio CMCF dedicado a difundir la música afrocubana. Gilberto Valdés fue uno de los cercanos colaboradores con los cuales contó Fernando Ortiz en sus investigaciones musicales folklóricas. En 1937, con el apoyo de Ortiz, la Alcaldía de La Habana y el Departamento de Turismo de la Ciudad, Valdés dirigió tres conciertos con su música en el Anfiteatro de la capital –uno de ellos gratuito para el público– al frente de una orquesta integrada por sesenta músicos, un nutrido coro de voces y los mejores percusionistas populares que en ese momento existían en Cuba, con el cantante Alfredito Valdés y Rita Montaner como figura principal. Entre las obras presentadas en esos conciertos se encontraba Ilé’nkó-Ilé’nbé, obertura para soprano, barítono, coro y orquesta, una de sus composiciones primordialmente escritas en lengua yoruba. Gilberto Valdés se destacó en la década de 1930 por haber sido el primero que escribió obras con extensos pasajes cantados en lenguas africanas; el primero también en incorporar cantos y toques enteros del repertorio religioso afrocubano a obras orquestales y en incluir ejecutantes de la música de la santería en las agrupaciones sinfónicas. Todo ello le valió duras críticas, en especial, la del español Adolfo Salazar, quien opinó en sus Estudios afrocubanos que la obra de Valdés era “una música primitiva, música que parece hallarse en una etapa ancestral del arte, cuando (...) no existían aún las fórmulas de cocinar el arte en los conservatorios y en los tratados de composición”. Si bien algunos críticos veían con aprehensión las obras de García Caturla y Roldán, reservaban sus críticas más duras para las de Gilberto Valdés, en las que figuraban músicos callejeros. Lo acusaron absurdamente de intentar revivir “formas musicales de un estadio inferior de desarrollo con la intención expresa de avergonzar a la comunidad negra”. En mayo de 1940 grabó para RCA Víctor, con orquesta, cuatro de sus composiciones: "Tambó" (danza-afrocubana), "Rumba abierta" (rumba), "Sangre africana" (danza-afrocubana), y "La conga viene ya" (conga). Por esos años Miguelito Valdés popularizó, con la Orquesta Casino de la Playa, uno de los famosos pregones: "Ecó". En 1942 Celia Cruz ofreció un recital de casi todos sus pregones en RHC Cadena Azul, respaldada al piano por Isolina Carrillo. A inicios de 1944 la Orquesta Filarmónica de La Habana ejecutó su canción de cuna "Ogguere", con Wilhelm Steinberg como director y la soprano Berta Villa. En abril del mismo año se tocó "Rumba abierta", también bajo la conducción de Steinberg. En 1945 Erich Kleiber al frente de la Filarmónica estrenó "Danza de los braceros" en el teatro Auditórium, pieza que figuró en varios conciertos de la temporada. Desde mediados de 1940 Gilberto Valdés vivió fuera de Cuba. En Nueva York fundó la primera orquesta con formato charanga de esa ciudad en la cual, ya por entonces, bien cotizadas agrupaciones “de música latina” tocaban piezas suyas en escenarios exclusivos, si bien con arreglos que simplifican sus complejidades rítmicas, melódicas y armónicas. Machito incluyó "Que vengan los rumberos" entre las primeras grabaciones que hizo con su orquesta en 1942; poco después grabaron números suyos las orquestas de Xavier Cugat ("Ecó" y "El botellero"), Carlos Molina ("Koki Kocá") y otras. Entre 1946 y 1956 Gilberto Valdés fue director musical de la compañía de ballet de Katherine Dunham con la cual recorrió varios países de Europa. En ese periodo, cuando lo permitían los contratos, visitaba La Habana y hacía presentaciones esporádicas. Fueron muy publicitadas sus actuaciones en 1948 al frente de una orquesta creada al efecto en la emisora Cadena Azul, con Miguelito Valdés como intérprete de su música. En esa década escribió partituras para varias películas, entre ellas, las producciones cubanas Sucedió en La Habana y Mi tía de América. La firma Montilla editó dos discos de larga duración a inicios de la década de 1950 con Valdés a cargo de las orquestaciones y en la dirección de la orquesta de Cámara de Madrid. El primero de ellos, Cuban Ballet es una suite de obras de su autoría. Piezas que se encuentran muy desarrolladas orquestalmente, con utilización de múltiples recursos; destaca el papel de la percusión como protagonista, sin que este resulte excesivo o abrumador. El otro disco publicado por Montilla, hoy lamentablemente fuera de catálogo al igual que el anterior, es Hi Fi in the Tropics, muestra de piezas populares cubanas (danzas, boleros, canciones de varios autores) en la que incluyó su conocida conga "La conga viene ya". Gilberto Valdés ofreció su primer concierto en el Carnegie Hall en 1954 y otro en 1959. Tras el triunfo de la Revolución regresó a Cuba y ocupó cargos de importancia como presidente de la Asociación de Compositores de Cuba, y director del Instituto Nacional de la Industria Turística de Cuba. En esa etapa trató de impulsar la construcción de instrumentos autóctonos afrocubanos y otros de su invención como la “valdímbula”, especie de marímbula ampliada con sesenta flejes que imitaba el sonido de los tambores rituales afro-cubanos. Con ese instrumento realizó grabaciones que luego se publicaron comercialmente. En 1960-61 dirigió la Gran Orquesta Típica Nacional, integrada por sesenta y cuatro músicos escogidos entre los mejores instrumentistas del país, experiencia que quedó registrada, gracias a la firma cubana Puchito, en un excelente disco de danzones profusamente orquestados e inmejorablemente interpretados. Una de las piezas, su danzón Barbudos, desapareció en las ediciones del disco que se hicieron en el extranjero. En Cuba no se reeditó la placa. A inicios de la década de 1960 apareció también su disco La música del maestro Gilberto Valdés (Panart) con una big band que, al igual que en el caso de la Gran Orquesta Típica, reunió a verdaderas estrellas de cada instrumento. Escribió la música de la obra teatral El solar (con libreto de Lisandro Otero y coreografía de Alberto Méndez) que permaneció largo tiempo en cartelera. Dirigió la orquesta en un larga duración de la soprano Georgia Gálvez, en el cual se incluye Ogguere. Hasta 1964 trabajó (compuso música, dirigió orquestas) para el Ballet Nacional de Cuba y el Ballet de Danza Moderna de Cuba. A mediados de la década decidió regresar a Nueva York. Allí dirigió una orquesta tipo charanga con la cual hizo algunas grabaciones. Falleció el 12 de mayo de 1972. Sobre Gilberto Valdés, Alejo Carpentier escribió en su Breve historia de la música cubana: “especie de Gershwin criollo, que nos ha dado una Rapsodia de pregones y varios poemas sinfónicos afrocubanos para orquesta. Sin embargo, a pesar de sus ambiciones expresivas, Gilberto Valdés nos resulta más interesante en su Rumba abierta, para orquesta, llena de desparpajo y gracia, en sus páginas breves para canto y orquesta –"Ogguere"– o para voz y piano –"Baró"–, en la que se nos muestra tan amablemente espontáneo, criollo, fantasioso, en virtud de una cierta familiaridad con los materiales tratados que se basta a sí mismo, sin exigir mayores búsquedas”.